La magie des rétrospectives est souvent de faire voir l’évolution d’un artiste : ses débuts, ses éclats, parfois son déclin. Mais avec Letizia Battaglia, rien ne bouge. Ou peut-être est-ce la société qui ne bouge pas. Car à travers son objectif, c’est la réalité la plus crue qu’elle saisit. « La photographie devient, ou plutôt elle est la vie racontée : je me glisse dans une photographie qui est le monde, c’est à dire que je deviens le monde et que le monde devient moi. » 

L’exposition s’attache donc à retracer chronologiquement le parcours de l’artiste italienne. Il y a ses débuts dans la presse à Milan, où on lui confiait les sujets de mœurs, puis son retour dans son île natale où elle travaillera jusqu’en 1988 pour le quotidien L’Ora. Dans ce journal engagé à gauche, sa photo est à la fois politique et documentaire. Elle montre la réalité des crimes mafieux : les corps assassinés, les mères pleurant leurs enfants, ou le regard d’une jeune fille derrière un corbillard. Et puisque la misère est le terreau de la mafia, on voit aussi ces enfants sous alimentés, ou le doigt de ce bébé rongé par un rat. 

Réalité surréaliste 

Sa photo est aussi sociale, quand elle s’immisce dans une veillée funèbre, à la lueur de bougies, ou qu’elle suit les grandes manifestations religieuses siciliennes. Elle est même surréaliste, quand on voit cette colombe fendre la foule et se diriger vers deux garçons, ou ces enfants jouant avec les armes factices que leur offrent leurs parents. 

Toutes ces photos, aux contrastes marqués, témoignent d’une époque qui n’est certainement pas révolue, en Sicile comme ailleurs. Il y a quelques jours à Nîmes, un jeune de 19 ans a ététorturé et assassiné par une bande de narcotrafiquants rivale. Le 11 novembre 1970, au lendemain de la mort du général de Gaulle, un même crime sordide était commis non loin de-là dans le Gard : « Deux cadavres atrocement mutilés ont été découverts hier près d’Orthoux. Les premiers éléments de l’enquête laissent présager qu’il s’agirait d’un règlement de comptes », expliquait alors le journal La Marseillaise. La réalité de Letizia Battaglia est d’une intemporalité glaçante. 

NICOLAS SANTUCCI

Letizia Battaglia
J’ai toujours cherché la vie
Jusqu’au 5 octobre
Chapelle Saint-Martin-du-Méjan

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À l’œil, c’est un contraste entre le noir et le blanc qui s’offre au visiteur. Le noir des abysses, des algues et des combinaisons de plongée. Un noir dur, pur, profond, qui tranche avec le blanc : celui de la peau, du sable, ou des tenues de coton – que les ama ont commencé à porter après l’importation des mœurs occidentales dans le pays, elles qui pêchaient jusqu’alors nues, ou avec un pagne. 

Mais derrière ces couleurs ouatées, il y a les scènes de vie quotidienne. On comprend que ces femmes font un travail dangereux et harassant. Elles plongent au fond d’une eau froide, parfois déchaînée, à la recherche d’algues ou d’ormeaux. Des scènes d’action, ou de contemplation, qui témoignent d’un labeur rude et fascinant. 

En voie de disparition 

Photographe amateur, Uraguchi Kusukazu a passé une trentaine d’années à leurs côtés. Une fidélité qui lui a permis de gagner leur confiance, et d’ouvrir certaines portes fermées au reste du monde. Comme celles des amagoya, cet espace de repos exclusivement féminin où les plongeuses se retrouvent le matin et le soir pour se changer, se réchauffer, échanger des techniques ou des bons coins de pêche. 

L’exposition redécouvre les archives de ce photographe décédé en 1988, riches de plusieurs dizaines de milliers de clichés consacrés aux ama. C’est aussi une archive d’une pratique en voie de disparition : changement de modes de vie, industrialisation, surpêche… cette pratique est désormais trop risquée pour les maigres gains qu’elle procure. D’ici quelques années, n’en restera peut-être que ce témoignage photographique, ainsi que les nombreuses œuvres que ces femmes ont inspirées aux artistes nippons à travers les siècles. 

NICOLAS SANTUCCI 

Ama, de Uragachi Kuzukazu se tient jusqu’au 29 septembre à l’abbaye de Montmajour, Arles

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Il fait chaud

La question du réchauffement climatique, qui met particulièrement sous pression Arles et la Camargue, a poussé les Rencontres à sonder leur environnement proche, tout en s’interrogeant sur la respirabilité de ses lieux d’exposition. À Ground Control, ancienne halle industrielle de la SNCF, on y trouvera donc dans une « scénographie métallique réutilisable et démontable qui laisse circuler l’air » l’exposition Soleil Gris d’Éric Tabuchi et Nelly Monnier, saisissant les constructions les plus banales de France, de la ferme aux HLM en passant par les PMU ou les stations-services, sous un ciel gris : une tonalité de ciel qui risque de disparaître du paysage bientôt… Dans Ici près, au Monoprix, Mathieu Asselin, Tanja Engelberts et Sheng-Wen Lo vont présenter trois projets traitant des nuisances variées qui menacent l’équilibre écologique d’Arles et de ses environs, s’attachant à l’industrie, aux transports, à la vie animale et au réseau de distribution d’eau. Dans Insolare présentée au cloître Saint-Trophime, Eva Nielsen procède à une mise en image de la sédimentation des paysages solaires et liquides de la Camargue, qu’elle est allée observer sur le vaste îlot triangulaire formé par le golfe du Lion et la bifurcation du Rhône aux portes d’Arles. Et dans Les Enfants du fleuve, présenté au jardin d’Été, Yohanne Lamoulère s’intéresse au Rhône, qu’elle a remonté à contre-courant sur une embarcation fabriqué en matériaux de récup, de son delta jusqu’à son glacier.

Têtes d’affiche

Parmi les grandes figures de la photographie présentes à Arles cette année trois sont américaines : Gregory Crewdson, dont l’exposition à la Mécanique Générale réunit la trilogie, Cathedral of the Pines, An Eclipse of Moths et Eveningside : des photographies de facture cinématographique, spectaculaires, dix ans d’Amérique, entre 2012 et 2022, « un monde happé par une brutalité lente ». Le palais de l’Archevêché accueillera lui une rétrospective Saul Leiter, peintre et photographe, qui a exploré pendant 60 ans le tumulte de New York, paradigme de la modernité. Et au Parc des ateliers, ce sera Diane Airbus, 450 tirages (!) présentés sous la forme d’une installation immersive : Constellation. D’autres pointures, cinéastes, seront présentes par l’intermédiaire de leurs photographies ou de leurs « scrapbooks » mêlant photos, journal intime, dessins, timbres, cartes postales, coupures de presse, etc. Les photographies, ce seront celles de la Pointe Courte, quartier populaire de l’étang de Thau, réalisés par Agnès Varda, avant d’y ancrer son premier film tourné en 1954 (cloître Saint-Trophime). Et les polaroïds de Wim Wenders, pris lors de la préparation de L’Ami américain, film noir sorti en 1977 (Espace Van Gogh) qui contribuera fortement à sa reconnaissance. Quant aux scrapbooks, ils seront signés Derek Jarman, Jim Jarmusch, Stanley Kubrick et Chris Marker (Espace Van Gogh).

Cryptoportiques

À noter : les rencontres ouvrent un nouveau lieu d’exposition, les cryptoportiques, galeries souterraines vieilles de plus de 2 000 ans, qui formaient le soubassement de l’ancien forum de la ville romaine. Ils vont accueillir l’exposition de Juliette Agnel La main de l’enfant réalisées dans les grottes préhistoriques d’Arcy-sur-Cure, réflexion en images sur le temps, les traces, la lumière et l’obscurité.

MARC VOIRY

Rencontres d’Arles
Du 3 juillet au 24 septembre
Divers Lieux, Arles et alentours
rencontres-arles.com

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L’exposition a le mérite aussi de corriger le miroir déformant d’une imagerie humanitaire focalisée sur l’Afrique subsaharienne, démontrant que les zones de crise frappent quelquefois aux portes des Européens ou Occidentaux que nous sommes, prétendument protégés par la stabilité de nos vies et de nos institutions. Et de rappeler la participation, à côté de photographes anonymes, d’auteurs et autrices emblématiques de la photographie, à l’instar des grands noms de l’agence Magnum, à travers notamment un diaporama intercontinental des années 1946 à 2021 où défilent les signatures de prestige, de Cartier-Bresson à Depardon en passant par Capa. Une série met ainsi en lumière les prises de vue d’un Salgado en Ethiopie. Une autre, les clichés colorés de Robin Hammond (2017) sur des femmes nigérianes déplacées. Ceux, encore, collectés par Alexis Cordesse de réfugiés syriens en Europe, accompagnés de textes qui évoquent leur vie avant et après l’exil.
Lee Miller : mode et camps
On redécouvre avec émotion et stupéfaction le parcours singulier de l’États-Unienne Lee Miller (Espace Van Gogh). Ou comment une portraitiste à l’expérience reconnue dans les domaines de la mode et la publicité devient photoreportrice de guerre, témoignant des atrocités des camps de la mort à leur libération. Que ce soit face à la blondeur éclatante d’un modèle apprêté dans son studio de New York ou devant les fours crématoires, ossements et cadavres entassés à Dachau ou Buchenwald, l’œil de Lee Miller garde une incroyable aisance à révéler ce qui a de plus cru chez son sujet, la beauté comme l’horreur.

Impressionnants aussi ces témoignages quasiment en direct de la violence vengeresse exercée sur les prisonniers nazis qui officiaient dans les camps dont Lee Miller dévoile les nez éclatés par les coups des Alliés. D’autres osent un dernier affront, dressant le bras pour le salut de la honte. L’exposition nous plonge enfin dans les coulisses d’une carrière, en évoquant à travers différents courriers, sa dimension marchande. Loin du mouvement surréaliste qu’elle fréquentait, la photographe gardait la tête sur les épaules quand il s’agissait de se vendre aux organes de presse. Dans les salles suivantes, une véritable redécouverte venue du Luxembourg. Si le grand public connaît les signatures de Doisneau ou Cartier-Bresson sur les images d’un Paris révolu, celle de Romain Urhausen est restée dans l’ombre de ses prestigieux contemporains. Pourtant son regard sur les anciennes Halles – le fameux ventre de Paris – vaut largement la comparaison. La radicalité des images en sus. Urhausen ne fait pas vraiment dans le cliché de carte postale et n’hésite pas à montrer le sang des étals de boucher. Ses têtes de veau fraîchement préparées trouvent ici une expression humaine. Une poésie iconographique qui n’aura pas échappé à Jacques Prévert, auteur de la préface du livre de photos Les Halles.
Mais ce qui marque le plus dans l’œuvre prolifique du photographe luxembourgeois est son appétence à expérimenter les genres et les pratiques. Des paysages industriels inspirés par l’esthétique subjective de son maître Otto Steinert à un toit d’ardoise que l’on prendrait pour un Soulages, en passant par un amoncellement de chaises, au graphisme géométrique étonnamment abstrait.
Performeuses
Faux pendant de la grande exposition Masculinités de 2021, Une avant-garde féministe (Mécanique générale, Parc des Ateliers) rassemble plus de deux cents œuvres de la collection Verbund à Vienne, réalisées essentiellement dans les années 70 par quelque soixante-et-onze femmes. Le long parcours organisé par thème met en lumière la vitalité et surtout l’impertinence d’artistes féminines en réaction à la société patriarcale et machiste. Sans pour autant revendiquer l’affiliation à un mouvement artistique commun, ces artistes sont, pour une grande partie d’entre elles, d’abord des performeuses. Non sans ironie, certaines mettent en scène leur condition de femme dans laquelle la société de consommation les assigne. C’est le cas de Birgit Jürgenssen posant, de face puis de profil à la manière d’une prisonnière, avec son Tablier de cuisine pour ménagère (1975), vêtement accroché autour du cou qui intègre une cuisinière. Autre performance photographique dans la même veine, Rêve de repassage (1975), de Karin Mack. Cette série quadriptyque montre l’artiste qui repasse ce qui finira par être la tenue de ses propres obsèques… Dans Peinture féministe (1973) – le mot est lâché –, Anna Kutera se réapproprie la pratique jusque-là très masculine de l’action painting en peignant sur une toile blanche posée au sol à l’aide d’un balai. Image forte et plurivoque que cette Madone accouchant (1976) de Valie Export où, dans une référence à une Pietà de Michel-Ange, la femme est assise, les paumes de la main tournées vers le ciel, sur un lave-linge du tambour duquel s’échappe une robe rouge sang. Dans la partie Enfermement / Emancipation, le triptyque d’Àngels Ribé, Le Non Dit-Le Non Fait-Le Non Vu (1977), nous replonge dans le régime fascisant de Franco, véritable prison de la parole pour les femmes victimes de violences sociales. S’exprimant elle dans le cadre d’une dictature, celle des militaires au Brésil, Sonia Andrade s’expose à travers une performance-châtiment (1974-1977) où elle introduit un fil de nylon dans ses lobes percés dont elle entoure ensuite son visage jusqu’à le recouvrir quasi-intégralement.

Orlan-loi
Présente à plusieurs reprises dans l’exposition, la jeune et encore non célèbre Orlan affirme sa volonté de s’affranchir des codes artistiques imposés par les hommes dans Tentative pour sortir du cadre à visage découvert (1966). Quelques années plus tard, la même provoque le scandale avec Le baiser de l’artiste (1977). En proposant au public de la Foire internationale d’art contemporain de Paris d’acheter pour la somme de cinq francs, un baiser ou une bougie, l’irrévérencieuse ose un rapprochement explosif entre prostitution, religion et art. On retrouve l’infatigable agitatrice dans Corps à vendre à vendre à côté des poires et des carottes (1976). Cette fois Orlan commercialise un corps féminin en pièces détachées sur un étal de marché ! Une performance immortalisée en images qui se passent de sous-titres. La sexualité et le diktat de la beauté constituent tout naturellement deux des chapitres de cette avant-garde féministe. L’Histoire d’amour (1971) sur lithographie de Judy Chicago montre une arme à feu pointée entre les fesses d’une femme nue et à quatre pattes, cliché accompagné d’un extrait du roman Histoire d’O de Pauline Réage. Ou quand la pornographie légitime la violence et la domination exercées par les hommes dans le rapport hétérosexuel. La même artiste rompt le tabou des règles et lui donne une dimension politique avec Signal d’alarme (1971), montrant un tampon ensanglanté à la forme d’un pénis amputé que l’on extrait d’un vagin. Un sein enserré dans une machine électro-stimulante pour le remodeler à moins que cela ne soit pour raffermir sa peau. Les tortures volontaires (1972) d’Annette Messager dénoncent l’adage sexiste « il faut souffrir pour être belle ». Autre célébrité, que l’on trouve en toute logique dans la partie du parcours évoquant l’identité, Cindy Sherman enchaîne les jeux de rôle et transformations avec le talent de narratrice visuelle qu’on lui connaît.
Plusieurs expositions font honneur aux photographes féminines cette année : Noémie Goudal, Bettina Grossman, Frida Orupabo, Sandra Brewster, Jacqueline Salmon…  L’intérêt de celle consacrée au travail essentiellement documentaire de Babette Mangolte, Capter le mouvement dans l’espace (église Sainte-Anne), est essentiellement d’apporter un témoignage sur le bouillonnement créatif de l’avant-garde artistique new-yorkaise des années 70. En posant son objectif dans l’intimité des compagnies qu’elle a longuement accompagnées, la photographe et cinéaste, qui a reçu le prix Women in motion 2022 à l’occasion des Rencontres d’Arles, a contribué à la constitution d’une véritable archive de la performance dans le milieu du théâtre underground et de la danse contemporaine. Les amateurs·trices seront réjouis de croiser les chorégraphes Lucinda Childs ou encore Trisha Brown alors qu’elles étaient en train d’écrire une des pages les plus effervescentes de l’histoire de la danse.

LUDOVIC TOMAS

Les Rencontres d’Arles
Jusqu’au 25 septembre
Divers lieux, Arles et alentours

À voir aussi 
Collection « 48 vues », Julia Gat & Julien Geister, La Croisière
Dress Code, Fondation Manuel Rivera-Ortiz

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Les Rencontres d’Arles
Du 4 juillet au 25 septembre
Divers lieux, Arles
rencontres-arles.com

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