jeudi 21 août 2025
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60 ans d’« utopie réaliste »

Par
Marc Voiry
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châteauvallon
PHOTOS D'ARCHIVES - Maurice Béjart © DR Châteauvallon

Châteauvallon, c’est « une utopie réaliste » écrit Charles Berling, son directeur. Il reprend ici l’oxymore utilisé pour le colloque présidé par Edgard Morin en 1995, organisé pour les 30 ans du lieu, qui s’appelait encore à cette époque le Théâtre de la danse et de l’image. Celui qui a grandi en partie à Toulon raconte : « Alors que j’étais tout jeune, j’ai eu la chance, comme tant d’autres, de me construire en tant qu’artiste et citoyen dans ce lieu exceptionnel qui offrait au public de nombreuses créations, des rencontres et des évènements à la renommée internationale ».

Fort de ces souvenirs marquants, le directeur de la scène nationale a décidé, avec ses équipes,de travailler sur une 60e édition mettant au cœur de sa programmation la notion de temps et de transmission entre les générations. Au programme : flâneries poétiques, lectures, expositions, et grands spectacles de danse et de musique.

Répertoires danse

Le Ballet Preljocaj est présent à travers deux propositions, conjuguant répertoire, reprise et création : le 4 juillet, le G.U.I.D (Groupe Urbain d’Intervention Dansée) investit la pinède enreprenant plusieurs tableaux des pièces les plus connues du chorégraphe.

Puis du 24 au 26 juillet, c’est la reprise d’Helikopter, pièce créée en 2001 : six danseur·eusessur scène exposé·e·s aux rythmes « technorganiques » de la fameuse pièce de Stockhausen écrite pour le Quatuar Arditti, jouant depuis des hélicoptères. Un moment dense, « orageux »,suivi d’un autre plus doux, lumineux, Licht, création 2025 d’Angelin Preljocaj sur une musique de Laurent Garnier. Un DJ qui, pour le chorégraphe, est une sorte de petit-fils putatif de Stockhausen, considéré comme le grand-père de l’électro.

Répertoire et transmission également avec (La)Horde – Ballet national de Marseille qui vient danser Roommates, une façon de « célébrer les écritures plurielles de chorégraphes qui ont formé [leur] regard ». Des extraits de chorégraphies de Claude Brumachon et Benjamin Lamarche, Cecilia Bengolea et François Chaignaud, et Lucinda Childs sont complétés par des pièces du collectif, dansé par 11 interprètEs (10 et 11 juillet).

Quant à Kader Attou, il est aux manettes de La Nuit du hip-hop (18 juillet) avec sa compagnie Accrorap : popping, break, beat-box et graffiti, suivi d’un voyage chorégraphique à travers des extraits de spectacles emblématiques, racontant « comment Châteauvallon a accompagné le hip-hop et inversement ».

Public sur scène

Le 4 juillet, après les interventions du G.U.I.D dans la pinède, Caillou Michael Varlet et Nacim Battou invitent le public à prendre place sur la scène de l’amphithéâtre, contempler les 1 167 pierres qui le composent, et traverser, dans L’Espace vide, sous la forme d’une fresque vivante en mapping vidéo, 60 ans de culture et de créations, de Patti Smith à Dizzy Gillespie, de Carolyn Carlson à Maurice Béjart.

Un public également invité sur scène pour la clôture du festival, le 29 juillet, par Jann Gallois : une Block Party sous forme d’atelier de danse géant, à vivre en famille, pour apprendre des pas et, ensuite, danser ! 

Musique au grand air

L’ouverture du festival se fait en opéra avec Norma de Bellini (26 au 28 juin), dirigé par Andréa Sanguinetti avec l’Orchestre et le Chœur de l’Opéra de Toulon et le Chœur de l’Opéra de Nice. Trois représentations en plein air, avec des décors pensés et adaptés à la scène de l’amphithéâtre. 

Autre temps fort musical, avec la troupe de la Comédie-Française (1er juillet) pour Les Serge (Gainsbourg point barre), un spectacle en forme de portrait collectif de Serge Gainsbourg, une sorte de concert stand-up, composé d’extraits d’interviews, de textes et de reprises de chansons personnalisées par chacun des artistes présents : Stéphane Varupenne, Benjamin Lavernhe, Sébastien Pouderoux, Noam Morgensztern, Yoann Gasiorowski, et Marie Oppert. 

Le compositeur Loïc Guénin est présent lui avec deux propositions déambulatoires : A Web, A Limb, A Wire (6 juillet à 5 h du matin) un rendez-vous aux aurores et une création sonorepour accueillir le lever du soleil en écoute immersive.

Et Walden-Châteauvallon (15 juillet) différentes compositions créées in-situ à partir des notes, dessins, enregistrements pris par le compositeur lors de ses arpentages du site de nuit et de jour, pendant plusieurs mois. Mêlant musique, mots et sons, en lien avec l’histoire du site et son environnement, des compositions interprétées par des musicien·ne·s, ou bien émises à travers des installations, dans différents endroits à découvrir.

MARC VOIRY

Festival d’été 
Du 26 juin au 29 juillet
Châteauvallon, Scène nationale d’Ollioules

Retrouvez nos articles Scènes ici

Gangs of Taïwan : la fin d’une époque

Par
Elise Padovani
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Gangs of taïwan de Keff @ Kindred Spirit

Pour ce premier long-métrage, Keff dit avoir voulu concocter un « film porc braisé ». Un film, qui, comme ce mets asiatique, offre une incroyable saveur à partir d’ingrédients simples – pourvu qu’ils soient cuisinés avec art. Et de fait, Gangs of Taïwan excelle au mélange, subtil et délicieux, même si une amertume tenace reste en bouche.

Zhong-Han (Liu Wei Chen) est un jeune taïwanais, adopté comme un fils par Rong, vieux restaurateur qui tient avec sa femme, une cantine populaire, dans sa famille depuis trois générations.  Zhong-han est muet comme le Samouraï de Melville, comme le cinéma des origines, ou métaphoriquement comme Taïwan, un pays qui ne peut parler en son nom propre. Le jour, il travaille au resto. La nuit, membre d’une bande de voyous aux ordres d’un parrain mafieux, il rackette, piège, intimide, brutalise sur commande. Son chef du groupe l’apprécie : “Tu n’as pas eu de chance à la distribution des cartes mais tu joues quand même, tu ne te dégonfles pas.” Solitaire, porteur d’une colère froide et d’une souffrance latente, Zhong-han observe, impassible, un monde qui le traverse, l’expose, le crucifie. Si son idylle avec la caissière d’une supérette du quartier adoucira un temps son mal de vivre, loi implacable du genre noir, la tragédie le rattrapera. Car à la fin ce sont les méchants qui gagnent. Et les vainqueurs qui imposent leur vérité. Tout au plus, les perdants leur opposeront quelque chose qui pourrait s’appeler panache ou dignité.

Rien de la chorégraphie nerveuse et virtuose des polars hongkongais mais le même sens esthétique et la même élégance.

Alternance jour-nuit

La lumière rouge et stroboscopique d’une boîte succède à celle un peu blafarde du jour, les néons des avenues de Tapei, au soleil d’une escapade amoureuse. En cut ou fondus, on passe d’une ambiance à l’autre. D’une pulsation à l’autre. Le visage de Zhong-han en clair-obscur semble parfois un Caravage.

Keff brosse ici le portrait de la jeunesse taïwanaise. Celle dorée des héritiers que les gangsters dépouillent, celle corvéable à merci, qui trime et ne peut pas faire d’études, celle qui verse dans la violence, se rêve en « Robins des bois » mais se fait manipuler par des politiciens associés à des hommes d’affaires et à des parrains. Celle qui manifeste dans les rues ou celle qui s’intéresse davantage à l’ouverture d’une pâtisserie branchée et à ses followers sur Insta qu’au destin de l’île. On est en juin 2019. De nuit comme de jour, les écrans télé retransmettent les images des émeutes de Hong-kong. C’est une phrase de Martin Luther King qui ouvre le film : « Les émeutes, c’est le cri des sans voix ». Les élections se préparent à Taïwan et divisent la population. La Chine menace. Et la fin imminente d’une époque s’immisce dans les esprits.

La caméra ne s’appesantit jamais et le scenario n’explique rien. Une rétention qui fait sens comme le mutisme désespéré de Zhong-Han.

ELISE PADOVANI

Gangs of Taïwan, Keff

En salles le 30 juillet

Quand le journalisme devient cirque 

Par
journalzebuline
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© X-DR

Ce n’est pas le théâtre mais une agence d’assurance Maif qui accueille Au pays des hypers à Avignon jusqu’au 24 juillet. Et les trois acteurs en jogging Lidl en rigolent haut et fort. Ce spectacle ironique prend à partie le public, le fait rire, le bouscule et le gêne aussi. « Le supermarché est un lieu violent, tant pour les consommateurs que les travailleurs ou les animaux » lance Sylvain Lablée, acteur du collectif La bande à Léon à l’initiative ce spectacle. 

Il faut dire que depuis 2019 ce collectif s’intéresse à la violence, « en particulier dans ce que Marc Augier appelle les non-lieux, explique Sylvain Lablée, c’est-à-dire ces espaces interchangeables de rencontres sans véritables connexions entre les individus comme les supermarchés, les stations d’autoroutes ». Mais ils refusent le sérieux et préfèrent l’humour. Un humour noir et vache que le collectif revendique.

Miss Mende 

Cette violence se traduit donc par un humour très piquant, mais parfois proche du mépris : Béatrice, caissière dont on fête le départ à la retraite, se souvient avec fierté que le magasin embauchait seulement des gagnantes du concours de Miss Mende. Et si l’on entend bien la critique d’un patron misogyne qui employait « à la tête », on rit plus du personnage ridicule de Béatrice, que de son patron. 

Certains « produits voyous », comme le nutella, sont eux aussi critiqués. Pour cela les acteurs donnent de leur personne : une actrice l’engloutit à la main et s’en met même dans le nez. Plus tard, les deux actrices courent pour atteindre la dégustation gratuite d’andouillettes et se baffrent de saucisses végétariennes. Du clown rieur donc, mais bien trop superficiel face au travail de Florence Aubenas sur lequel le spectacle entend s’appuyer. 

LOLA FAORO

Au pays des hypers est donné jusqu’au 24 juillet à la Maif d’Avignon

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Gahugu Gato : un roman mis en corps 

Par
journalzebuline
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Gahugu Gato (Petit Pays), Dida Nibagwire et Frédéric Fisbach, 2025 © Christophe Raynaud de Lage / Festival d’Avignon

« C’est moi Gaby maman, c’est moi, je suis revenu, je ne pensais jamais te revoir ». C’est par ces mots que Gabriel entame son récit. Il a 33 ans, vit en France et rêve tous les soirs à son pays de naissance qu’il a dû quitter suite aux massacres de 1994, alors qu’il est âgé d’une dizaine d’années. La voix de Kaya Byinshii, accompagnée par Jean-Patient Akayezu à l’inanga (instrument de musique rwandais) et de Samuel Kamanzi à la guitare, rythme cet intense témoignage où se mêle géopolitique et rêves d’enfant. 

Les costumes travaillés par le couturier Moses Turahirwa s’inspirent de l’art imimongo, art décoratif traditionnel constitué de motifs géométriques colorés ou en noir et blanc, un temps en péril suite au conflit. « Nous voulions montrer comment les gens s’habillaient à l’époque, comment ils se coiffaient. Il s’agit de faire ré-émerger la mémoire d’un mode de vie et de lui rendre un espace de dignité », explique l’opératrice culturelle rwandaise Dina Nibagwire. 

Ce spectacle, créé pour être joué en itinérance dans les collines rwandaises, s’attache à une scénographie très épurée, mais épouse les décors évoqués par le roman, dans une harmonie joyeuse entre le public et la scène. 

Joie des retrouvailles pour mieux parler des séparations, la pièce se clôt sur une image terrible, les dix comédiens au plateau, balai traditionnel en tiges de sorgho ou de coco, chassent le sol, comme pour évoquer l’horreur qui a sévi sur ce territoire.    

MICHÈLE GIQUIAUD

Gahugu Gato a étédonné du 17 au 22 juillet au Cloître des Célestins, Avignon

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La Plaine, le rap, et Bonneveine

Par
Lilli Berton Fouchet
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© Mairie 6-8

Quelques personnes se retrouvent au parc Central de Bonneveine pour une nouvelle proposition de Culture au Jardin, organisée par la mairie des 6e et 8e arrondissements de Marseille. Le 17 juillet, c’est Jazz et Rap qui est interprétée par les rappeurs Ilan et Juice. Ensemble, ils racontent l’histoire d’Ilan Couartou, jeune rappeur marseillais, de sa découverte du rap à ce qui l’a amené à raconter son récit aujourd’hui. 

Par les mots

Sous le bruit des cigales, une platine vinyle, un looper, des micros et une caisse remplie de vinyles attendent d’être animés. Juice se lance dans un beatbox, le micro collé à la bouche ou à la gorge imitant différents sons. Sur sa rythmique, Ilan commence à conter son enfance à la Plaine, alternant le parler et le rap, par improvisation parfois. 

Pendant une heure, il nous fait visiter la diversité du quartier, ses personnages, sa dynamique, et sa découverte du rap. Par les poèmes d’abord, puis par sa rencontre avec le bluesman Robert Jonhson, et avec le jazz ensuite. Il brosse l’histoire de ces musiques à travers les époques faisant l’analogie entre jazz, rap et blues, ces genres qui font souvent le récit des communautés victimes de discriminations. Et termine par ses freestyles avec ses amis, ses punchlines jusqu’à son premier open mic, sur la Plaine, le jour de ses 17 ans. 

LILLI BERTON FOUCHET 

Jazz et Rap a été donné le 17 juillet au parc Central de Bonneveine à Marseille, dans le cadre de Culture au Jardin.

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Les festivals à l’heure du réchauffement 

Par
journalzebuline
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© X-DR

Continuer à diffuser la culture tout en sauvegardant le bien être du public et celui des artistes. C’est la difficile question à laquelle les opérateurs culturels dans la région (et ailleurs) vont devoir répondre face aux épisodes caniculaires qui devraient se multiplier à l’avenir. Pour y voir plus clair, le Cofees a lancé une étude en partenariat avec Incub’ analyse, qui débute cette semaine à Aix-en-Provence, Arles et Avignon. 

À Arles, la proximité du Rhône et les petites ruelles permettent d’avoir un peu d’air et de fraicheur. Mais les salles recevant les Rencontres peuvent être petites et souvent peu climatisées. « L’étude réalisée par Incub doit venir répondre aux attentes des organisateurs et proposer des solutions adaptées à chaque événement. À Arles, ce sont de nombreux lieux qui hébergent les expositions donc il va falloir faire au cas par cas. »  

À quelques kilomètres vers le nord, Avignon propose peu d’endroits arborés dans ses ruelles, et l’air peut-être lourd à l’intérieur des remparts. Heureusement, les spectacles en intérieur permettent d’avoir un peu de fraicheur. Mais, tous les bénévoles qui tractent ainsi que les artistes proposant du théâtre de rue souffrent des fortes chaleurs. Alors comment faire ? 

« Le Festival off, membre de notre association, déconseille le tractage depuis de nombreuses années, pour les travailleurs et le gaspillage de papier. Mais l’étude va venir d’abord aider les techniciens en proposant par exemple de travailler plus tôt le matin pour le montage des scènes et des installations techniques » détaille Céline Guingand, responsable au sein de l’association Cofees. 

Le Festival d’Aix-en-Provence organise la plupart de ses concerts en intérieur, dans des théâtres ou des opéras et pour la majorité à partir de 17 h, ce qui en fait l’événement le moins touché par la chaleur au premier abord. Mais la population amenée par les événements musicaux est aussi plus âgée, et donc plus sensible à la chaleur. « En mars, lors de l’assemblée générale, des festivals membres de l’association se sont inquiétés des fortes chaleurs et notamment de l’impact sur un public âgé », poursuit Céline Guingand. 

Trois grands événements scrutés dans la semaine mais qui sont évidemment loin d’être les seuls touchés par les hausses de températures. « Il s’agit de proposer des solutions pour ces trois grands festivals de la région mais aussi de produire un guide général pour tous les organisateurs d’événements culturels de la région » assure le Cofees. Un document qui devrait être livré tout chaud en décembre.

LOLA FAORO

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Tuer le père en lui rendant hommage 

Par
Chloé Macaire
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© Christophe Raynaud de Lage

C’est un titre qui attire immédiatement l’œil, et la curiosité. Israel et Mohamed, comme le rapprochement de deux espaces, deux cultures, souvent présentés comme irréconciliables. Dans cette pièce de « danse documentaire », Mohamed El Khatib et Israel Galván font dialoguer leurs univers artistiques et intimes, dans un esprit de fraternité.

El Khatib, en position de narrateur, relate le parcours de Galván, le traduit quand il parle en espagnol, en s’adressant directement au public. D’apparence détendu, le metteur en scène semble improviser, ajouter des blagues pour combler certains vides. « Ce n’est pas dans le texte » dit-il après une plaisanterie sur la longueur du spectacle – qui bien sûr, est dans le texte.

Son humour et sa vulnérabilité tranchent avec l’air sérieux et fier d’Israel Galván, qui ne s’exprime presque que par le corps. Il nourrit son flamenco de l’univers de Mohamed, dansant vêtu de la djellaba du soir de son père, chaussé de babouches ou d’une paire de crampons – El Khatib a brièvement été footballeur, Galván rêvait de l’être, mais son père voulait en faire un danseur. 

Un hommage tout en nuances 

Leurs parcours respectifs se nouent autour de la figure du père. C’est d’ailleurs la voix de José Galván, danseur de flamenco et père d’Israel, qui résonne en premier dans le cloître des Carmes. Dans un entretien filmé et projeté en arrière-scène, il explique ne jamais venir aux spectacles de son fils et être infiniment triste que celui-ci ne pratique pas un flamenco traditionnel. Le père d’El Khatib, à sa suite, dit ne pas « être d’accord » avec le choix de Mohamed de poursuivre une carrière artistique. Le public rit, mais les mots sont durs. Tout au long du spectacle, Israel et Mohamed s’empruntent à répondre à leurs pères, l’un par les mots, l’autre par la danse, avec beaucoup d’humour. 

De part et d’autres de la scène, les artistes disposent des objets sur des sortes d’autels surplombés par des photos de leurs pères : les babouches avec lesquels le père d’El Khatib le frappait alors qu’il était enfant, son tapis de prière et sa collection de Coran, les ballons de foot crevés par le père de Galván… Chaque objet permet d’évoquer un aspect de ces relations. 

El Khatib et Galván s’amusent aussi de l’absurdité du comportement de leurs pères, comme lorsque Galván s’éclate un œuf sur la tête en référence aux « traitements » que lui administrait son père pour lui faire pousser les cheveux. 

À travers leur démarche, les deux artistes honorent leurs pères – ils leur dressent tout de même des autels –, mais sans révérence. Ils les humanisent, avec tous leurs défauts, jouant sur la tension entre dureté et humour, reproches et tendresse. Une manière d’acter ces conflits intergénérationnels comme irréconciliables, mais de ne pas les laisser les détruire. 

CHLOÉ MACAIRE 

Israel et Mohamed a été joué du 10 au 23 juillet au cloître des Carmes, Avignon

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Reines en résistance

Par
Suzanne Canessa
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© Élodie Dilhat

Un nouveau soir d’été s’annonce au Square Albrecht : résidents, voisins curieux, amateurs de théâtre jeunes et moins jeunes, pas spécialement acquis à la cause queer, s’installent.  Et pourtant : dès les premières notes de FOL·LE·S, la magie opère. Le rire fuse, l’écoute s’installe, la rencontre a lieu.

Cristale de Troie et Oral Deluxe électrisent ce public hétérogène avec FOL·LE·S, cabaret lyrique aussi virtuose que politique. L’une, gothique en longue robe noire, bracelets cloutés et cheveux d’encre, fait jaillir d’une voix de contre-ténor le souffle baroque d’Haendel ou de Purcell. L’autre, blonde flamboyante, rondeurs de violoncelle, paillettes et clin d’œil Broadway, balance des couplets cabaret aux accents baryton dans la veine des divas de l’entre-deux-guerres, du Rocky Horror Picture Show ou de la Zaza de la Cage aux folles, au blason redoré par la comédie musicale du même nom.

Histoire(s) de la musique

Le répertoire, ciselé, traverse les siècles et les styles avec élégance et musicalité : Hildegarde de Bingen, Delibes, Haendel, Reine de la Nuit et Cold Song rendue culte par Klaus Nomi, que Cristale salue comme « notre papa extraterrestre », avant de l’interpréter de voix de maître.Oral signe un moment émouvant avec Ouvre de Suzy Solidor, tandis que leur duo, toujours d’une complicité désarmante, surprend également par sa musicalité sur un Duo des fleurs plus lesbien que jamais.

Refuge flamboyant pour celles et ceux qu’on a trop souvent traités d’hystériques, d’aliéné.e.s au bord du gouffre, FOL.LES répond par une énergie et un humour à toute épreuve aux tourments et à la violence. Tout en grâce et en moustache 80s, le piano complice de Roberto Bello soutient ce duo comme un tapis rouge sous leurs stilettos. Et offre une revanche brillante à celles qu’on efface : car chanter peut aussi sauver.

SUZANNE CANESSA

Fol.les a été joué le 16 juillet au square Bertie Albrecht et y sera rejoué le 12 août, puis le 21 août au Jardin Benedetti, dans le cadre d’Avant le Soir (Été Marseillais)

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Fervent souvenir d’une mère

Par
Chris Bourgue
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Fils de bâtard - Emmanuel De Candido © Lara Herbinia

Un seul en scène magnifique met en lumière le travail précis et émouvant d’Emmanuel de Candido. Élevé par sa mère célibataire, il n’a pratiquement pas connu son géniteur. Taraudé par le désir de comprendre pourquoi cet homme marié, père de sept enfants, l’a ignoré, il estparti très jeune à la recherche de ses traces, parcourant le Congo, la Lybie et l’Antarctique où le colonel Bison avait servi le roi Léopold de Belgique. Cette recherche lui apprend peu de choses mais lui permet d’approfondir sa relation avec sa mère, italienne et infirmière, qui s’est entièrement consacrée à son fils, amour maternel magnifié de façon très émouvante. Devenu père lui-même, le comédien, mêlant expérience personnelle et jeu, s’interroge sur la filiation et la transmission.

L’art au service de l’émotion

Emmanuel chante, slame, danse avec talent. Une scène de mime étonnante le montre jouant avec un ballon de baudruche rouge qui le représente enfant, grandissant sous l’œil vigilant de sa mère. Au cours du spectacle, alors qu’il est en train d’écrire, une sculpture de bison surgit, force aveugle qui le hante encore. Tout cela sur un plateau nu avec une table et deux chaises, une musicienne et chanteuse délicate, Orphise Labarbe, d’un côté, de l’autre la régie son et lumière orchestrée par Clément Papin. À la fin, s’interrogeant après la mort de sa mère sur ce qu’il voudrait recommencer, il réinvente la journée de ses obsèques en évoquant l’immense procession d’une multitude de personnes lui rendant hommage. Émotion garantie.

CHRIS BOURGUE

Fils de bâtard de et avec Emmanuel de Candido de la Cie MAPS était donné à la Patinoire jusqu’au 22 juillet.

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Ravir et capturer

Par
journalzebuline
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© David Armstrong

Voir la communauté LGBTQIA+ de New York des années 1970, en photos, c’est en prendre plein les yeux, d’un bonheur multicolore et multigenre. Mais c’est aussi se faire asperger d’une tristesse pas si passagère. David Armstrong, lui-même homosexuel, ne se doutait pas, quand il prenait en photo ses amis, que nombre d’entre eux succomberaient du VIH quelques années plus tard.

De ces visages photographiés, récurrents ou ponctuels, camarades de longue date ou rencontres furtives, on se demande avec douleur lesquels sont restés. Depuis le début des années 1980, plus de 90 millions de personnes ont été touchées par le sida, et 44 millions en sont décédées, d’après l’OMS. Aujourd’hui on vit avec. Mais il y a 40 ans c’était presque une sentence de mort imminente.

L’essence d’une époque

Dans la pénombre du sous-sol de la Tour s’alignent sur les murs des centaines de ces portraits en noir et blanc, assortis de planches contact révélant quelle photo a été choisie, laquelle non. Rieurs, insouciants, ou plus graves, certains ont été pris sur le vif, d’autres ont posé longuement pour le photographe. Sont parsemés çà et là des clichés de paysages flous et décentrés, plus tardifs, pris en pleine épidémie à la fin des années 1980 par l’artiste. Comme pour rappeler la tragédie à suivre.

 © David Armstrong

Armstrong, on l’imagine dans les yeux de ses sujets, qu’ils fixent l’objectif. L’appareil cherche le regard. Bien souvent il le trouve. Mais dans la diversité de l’agencement de chaqueportrait se distingue fréquemment la volonté propre de chacun, maquillés, déguisés, nus, ou enveloppés de tissu. Sur les négatifs étalés au centre de la pièce, brille cette liberté de présentation et de représentation de soi-même.

Rien n’est laissé dans l’ombre. Quand le noir et blanc de ces portraits apportait mélancolie, détachement et rêverie, la couleur éclatante des images qui défilent sur les écrans de la salle d’à côté ancre, brutalement, la photographie d’Armstrong dans la réalité. Sans tabou nijugement, il documente un mode de vie newyorkais, jeune, débridé, d’un temps où le danger d’un flash d’appareil photo dans une voiture en marche n’était pas spécialement perçu, ni celui de cette maladie insidieuse dont on commençait à parler.

GABRIELLE SAUVIAT

David Armstrong
Jusqu’au 5 octobre
Luma, Arles

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