Revendication et joie de vivre

C’est une lecture musicale délicieusement subversive qui se déploie et les thèmes interprétés font écho aux extraits choisis, telle cette livraison de A Child Is Born lors du tableau rétrospectivement hilarant consacré à l’éducation des enfants. Pendant que la leadeuse lit avec une conviction débordante de second degré, la pianiste égraine quelques notes bleues, et la batteuse, elle, développe quelques piques percussives bien senties. La fin du programme se dirige vers l’émotion, avec quelques mots personnels adressés par Heiting à sa mère, soulignés par une interprétation de Piensa en mi (ce boléro composé en 1935 revigoré par l’interprétation de Luz Casal dans Talons Aiguilles d’Almodovar en 1991). 

La prestation se termine entre revendication (You don’t owe me « Je ne t’appartiens pas » de Lesley Gove en 1963 : le premier hit féministe étatsunien) et joie de vivre avec notamment James Brown… une sorte de braquage bien senti sur un monument de soul écrit par un vieux macho que l’on dirait masculiniste de nos jours.

LAURENT DUSSUTOUR

Concert donné le 22 août au domaine Camaïssette, Éguilles. 

À venir
23 septembre
Hôtel C2, Marseille

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Défaire

L’un des exemples les plus littéraux de la notion de « défaire » se trouve sur une petite étagère blanche, où est exposé, par Sonya Clark, sous le titre Unraveled ce qu’il reste d’un drapeau confédéré (associé à la défense de l’esclavage et à la suprématie blanche) détricoté : du coton dénoué, réduit à des fils, rassemblés en trois petits tas, rouge, blanc, bleu. Une œuvre non spectaculaire, qui a demandé patience, attention et travail partagé.

Chez Adam Pendleton, c’est l’image d’un monument qui est soumise à la déconstruction. Notes on the Robert E. Lee Monument, Richmond VA (figure) est une vidéo en noir et blanc (de 7 minutes) qui se focalise sur la statue équestre du général confédéré Robert E. Lee à Richmond, en Virginie. Un monument devenu le point central des manifestations de Black Lives Matter en 2020, à la suite du meurtre de George Floyd. Parcourue de flashes lumineux et d’obscurité, la caméra tourne autour de la statue clôturée, recouverte de graffitis et slogans (« ACAB », « I Can’t Breathe »…), transformant la statue confédérée en symbole de résistance antiraciste.

Gaza 

Plusieurs œuvres font directement référence à Gaza : à l’entrée de l’exposition, Salvage de Rana Batrawi est une sculpture-installation de trois mètres d’envergure, réalisée à partir de gravats provenant de bâtiments détruits à Gaza lors de la guerre de 2021. Un tas gris dans lesquelles se trouvent des traces de vie : des photographies, une télévision qui grésille, un livre (Men in the sun de Ghassan Kanafani). Une mémoire, une identité et des émotions qui résistent au milieu des décombres. 

Juste à côté, sous le titre I love Gaza de Shareef Sarhan, une installation constituée d’un ensemble de petits blocs de béton posés individuellement sur des socles, sérigraphiés, sur tous leurs côtés, d’images d’immeubles, transpercés de fers à béton sectionnés. Quelques mètres plus loin, trois photographies d’Amer Nasser : En attendant le cessez-le-feu, En attendant le retour et En attendant la reconstruction, documentant, dans une temporalité étrange, à la fois suspendue et suivant son cours, des signaux de vie.

MARC VOIRY

Unworlding
Jusqu’au 11 octobre
Friche la Belle de Mai, Marseille

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Ce qui reste

À l’entrée de l’exposition, l’immense toile au crayon de Julie Darmon, aux allures du Dormeur du val, interpelle. Inspirée par Touching Reality (2012) de Thomas Hirschhorn, Julie Darmon puise dans des images de corps mutilés issues de différents conflits trouvées en accès libre sur Internet. Sur une immense toile, sont représentées trois victimes de morts violentes dépourvues de couleurs et recomposées en une figure anonyme. Avec Survivances, leur mémoire continue de résonner, tandis que d’autres artistes prolongent cette même réflexion sur les traces laissées par les conflits. Avec My Dear Gaza… I Love You, Shareef Sarhan rassemble des photographies prises à Gaza entre 2005 et 2023. Après la destruction de son studio et d’une partie de ses archives, ces images deviennent des témoins directs d’un quotidien ordinaire bouleversé, dont il retranscrit des fragments sur des pierres cubiques couleur ocre. 

Place à la couleur

À quelques pas de là, Silvio Mildonian, artiste d’origine arménienne, présente des toiles colorées inspirées de l’expressionnisme abstrait. Des peintures faites de couches successives, faisant écho aux manuscrits arméniens enterrés pendant les invasions pour être préservés. « Les textes pouvaient disparaître, tandis que les couleurs, elles, subsistent. La couleur devient une trace, capable de traverser le temps », explique-t-il. Survivances interroge les formes contemporaines de la mémoire, de la transmission et de permanence, un troisième chapitre intitulé Hypothèse d’un paradis prévoit de prolonger cette démarche.

CARLA LORANG

Survivances
28 août au 9 septembre
Hôtel de Région, Marseille

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Requiem(s) revient à plusieurs reprises sur cette image. Duos, trios et ensembles se construisent entre corps vivants et corps abandonnés à leur poids. On relève, traîne, porte, enlace ; l’élan se brise contre l’inertie. Ce travail redoutable exige des dix-neuf interprètes une technique souveraine : donner sa vérité au relâchement sans perdre la précision du geste. Le chaos vient régulièrement rompre les architectures, jusque dans une bande sonore remarquablement pensée. La fureur mélancolique de System of a Down surprend davantage que Ligeti, Bach ou Messiaen, mais s’impose. On ne sait plus si la paix se trouve dans la frénésie des vivants ou dans la douce quiétude des morts. 

Libérer la vie

La voix de Gilles Deleuze prolonge le travail engagé par le chorégraphe dans Deleuze/Hendrix : corps et pensée, existence et idée ne sont jamais compartimentés. Évoquant Primo Levi et la « honte d’être un homme », le philosophe assigne à l’art la tâche de « libérer la vie que l’homme a emprisonnée ». La Shoah élargit ainsi le deuil intime aux morts de l’Histoire. Plus loin, des voix marquées par l’âge racontent la perte d’un nouveau-né et retrouvent dans le récit une tendresse et une vigueur intactes.

Cette porosité gagne toute la pièce. Sur Messiaen, fait rare chez Preljocaj, la mélopée semble un instant dicter sa ligne à la danse, sans que celle-ci devienne mimétique. Les vidéos de Nicolas Clauss, qui évoquent Bill Viola, reprennent l’image sur laquelle s’achevait Mythologies : Requiem(s) commence là où l’œuvre précédente finissait. Les costumes gothiques d’Eleonora Peronetti, les Pietà, les figures renaissantes et les poupées de Noces composent moins un musée de la mort qu’un répertoire de formes sans cesse réanimées. Vie et mort travaillent ici plus que jamais le même corps.

SUZANNE CANESSA

Requiem(s) a été donné du 28 au 30 juillet au Théâtre de l’Archevêché, à Aix-en-Provence.

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Fauré, inclassable parmi les inclassables, ouvre ce parcours. Victor Julien-Laferrière tire de son instrument un chant mélodique presque éthéré, mais aussi poignant et puissant lorsque l’écriture l’exige. Rien n’est forcé : la ligne respire, soutenue par un piano qui ne la double pas mais l’interroge, l’oriente et lui ouvre d’autres profondeurs. Sur le rare Stephen Paulello Opus 102 aux cordes parallèles, Lucas Debargue, pianiste singulier, lettré, également compositeur, distingue chaque voix sans assécher le lyrisme.

La Sonate de César Franck confirme cet équilibre. Sa version pour violoncelle, autorisée par le compositeur, n’est pas une transcription de circonstance. Le violoncelle n’y occupe pas le centre soliste : il est porté, entouré, englobé par l’architecture mouvante et fascinante d’un piano monumental. La technique est omniprésente ; l’intelligence des plans et la musicalité à l’œuvre n’étonnent pas quand on sait également la carrière de chef d’orchestre de Victor Julien-Laferrière, à l’écoute de toutes les inflexions qui l’entourent.

Le sens de l’écoute

Après l’entracte, les Trois Pièces de Nadia Boulanger fascinent. Deux viennent de l’orgue et conservent quelque chose de son étagement des registres : le violoncelle devient tour à tour pédalier mouvant ou ligne suspendue, tandis que le piano fait chanter le grave et diffuse l’harmonie dans l’aigu. Qui porte alors le chant ? Les deux instruments, selon un échange constant des fonctions. Trop souvent considérée d’abord comme pédagogue, ou laissée dans l’ombre de sa sœur Lili, Nadia Boulanger apparaît ici de nouveau comme une musicienne passionnante.

Grieg ne rompt pas le fil français : on entend plutôt l’estime réciproque que lui et Ravel se vouaient. La netteté du rythme, la couleur, l’art de faire surgir un paysage de l’harmonie. Le duo révèle la modernité et les accents presque français de cette Sonate sans lui retirer son élan propre. Leur entente se mesure moins aux regards échangés qu’à la précision avec laquelle chacun sait écouter et laisser place à l’autre.

SUZANNE CANESSA
Le concert a été donné le 1er août au Parc de Florans dans le cadre du festival international de piano de la Roque d’Anthéron

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Requiem(s) revient à plusieurs reprises sur cette image. Duos, trios et ensembles se construisent entre corps vivants et corps abandonnés à leur poids. On relève, traîne, porte, enlace ; l’élan se brise contre l’inertie. Ce travail redoutable exige des dix-neuf interprètes une technique souveraine : donner sa vérité au relâchement sans perdre la précision du geste. Le chaos vient régulièrement rompre les architectures, jusque dans une bande sonore remarquablement pensée. La fureur mélancolique de System of a Down surprend davantage que Ligeti, Bach ou Messiaen, mais s’impose. On ne sait plus si la paix se trouve dans la frénésie des vivants ou dans la doucequiétude des morts.

Libérer la vie

La voix de Gilles Deleuze prolonge le travail engagé dans Deleuze/Hendrix : corps et pensée, existence et idée ne sont jamais compartimentés. Évoquant Primo Levi et la « honte d’être un homme », le philosophe assigne à l’art la tâche de « libérer la vie que l’homme a emprisonnée ». La Shoah élargit ainsi le deuil intime aux morts de l’Histoire. Plus loin, des voix marquées par l’âge racontent la perte d’un nouveau-né et retrouvent dans le récit une tendresse et une vigueur intactes.

Cette porosité gagne toute la pièce. Sur Messiaen, fait rare chez Preljocaj, la mélopée semble un instant dicter sa ligne à la danse, sans que celle-ci devienne mimétique. Les vidéos de Nicolas Clauss, qui évoquent Bill Viola, reprennent l’image sur laquelle s’achevait Mythologies : Requiem(s) commence là où l’œuvre précédente finissait. Les costumes gothiques d’Eleonora Peronetti, les Pietà, les figures renaissantes et les poupées de Noces composent moins un musée de la mort qu’un répertoire de formes sans cesse réanimées. Vie et mort travaillent ici plus que jamais le même corps.

SUZANNE CANESSA

Requiem(s) a été donné du 28 au 30 juillet au Théâtre de l’Archevêché, à Aix-en-Provence.

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Une expérience unique, une mise en scène adaptée

Tâche délicate car il fallait créer l’empathie en respectant la distance, Olivier Pauls s’est attelé à la mise en scène en recueillant le ressenti des comédiennes. Ainsi il y a deux espaces de jeu : celui des chansons, de la poésie et celui de l’expérience des artistes confrontés à une situation si particulière pour des interprètes. 

La version donnée dans le jardin a dû être adaptée spécialement car les spectacles étaient auparavant joués dans des espaces clos. Les textes des enfants parfois très jeunes sont chantés, ils disent leurs rêves, leurs espoirs, mais aussi leurs douleurs. Écrire et chanter leur a permis d’oublier un moment leur situation. Ils laissent leur « trace », même si certains ont maintenant disparu… Hommage à ces artistes totalement engagés qui trouvent la manière la plus juste possible de rendre compte de la parole de ces enfants qui ont beaucoup parlé d’amour. « L’amour, c’est essentiel », disent-ils.

CHRIS BOURGUE

…Traces… s’est joué le 15 juillet place Labadie. 
Prochaines représentations les 29 juillet au jardin Benedetti et le 18 août au square Bertie Albrecht 

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Plus de vingt nationalités sont représentées dans cette formation symphonique, réunie quelques jours avant le concert dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence : le pari est de faire naître en quelques jours une communauté sonore à partir de personnalités qui n’ont rien de commun a priori. Pour cette session, l’orchestre affiche 87 musiciens et un programme construit sur mesure autour du grand répertoire et sous la direction musicale, la cheffe coréenne Sora Elisabeth Lee, ample et enthousiasmante qui est déjà venue à l’Académie du Festival en 2024 comme cheffe en résidence.

Le concert s’ouvre sur les Danses de Galánta de Zoltán Kodály, magnifique compositeur hongrois trop peu joué. L’œuvre puise dans ses souvenirs d’enfance : le village de Galánta, sur la route reliant Prague, Bratislava et Budapest, était renommé pour son orchestre tsigane, dont le répertoire de danses nourrit toute l’inspiration de la pièce.

Vient ensuite une œuvre d’un autre hongrois Ernő Dohnányi, dont tout le monde a le thème principal à l’oreille : les Variationen über ein Kinderlied, tournent autour du « Ah vous dirai-je maman », popularisé par Mozart mais attribué aussi à Campra ou à Rameau. Cette fresque symphonique est portée au piano par Aris Alexander Blettenberg, directeur musical de l’Opéra de chambre de Munich depuis 2024, qui fait ici ses débuts au festival d’été. L’œuvre déploie un dialogue constant avec chaque pupitre. On peut entendre des carillons de Noël, des moments joueurs et des passages plus sombres ou lyriques, des fugues enjouées où le thème circule d’un pupitre à l’autre. Une partition qui va comme un gant à cet orchestre, mettant en valeur cors, bassons, flûte et piccolo, avant une dernière variation convoquant l’orchestre au grand complet, puis un finale qui redonne toute sa place au soliste.

Terre et mer

Comme toujours avec l’OJM, un principe de création clôt la première partie. Cette année une composition collective pour quintette, née d’une résidence au Caire sous la direction de Fabrizio Cassol, directeur musical depuis 2015 des sessions de composition collective de l’orchestre. Le propos : depuis un lointain recoin du cosmos, la Terre apparaît comme un point bleu pâle ; l’humanité s’est égarée sur de sombres chemins, oubliant l’importance du contact, de la paix et de la solidarité. Cette musique se veut un noyau de gratitude et de bienveillance.

Grande place est donnée au trombone impressionnant du jeune Jules Regard, qui ouvre la création, rejoint par Akram Ben Romdhane à l’oud, passé par l’Institut Supérieur de Musique de Tunis. Le quintette s’enrichit du piano de la Grecque Eirini Alisá et des voix d’Amena El Abd,chanteuse égyptienne formée sur les appels à la prière et les maqâms, et du Tunisien Saber Radhouani, aux graves exceptionnels. Une belle richesse née de la rencontre entre traditions multiples.

La seconde partie est consacrée aux Tableaux d’une exposition de Moussorgski. Chaque tableau y ménage un solo pour un musicien de l’orchestre : un exercice formateur pour ces jeunes interprètes, appelés à porter seuls la couleur de l’œuvre avant de se fondre à nouveau dans le tutti. Un programme généreux, une soirée qui confirme la vitalité de ce magnifique projet de rencontre entre des jeunes musiciens méditerranéens… Ovationnés.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 20 juillet au Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

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L’amplification légère ne dénature guère les instruments, mais complique la tâche des voix. Très peu augmentée, Patricia Petibon souffre parfois de la trop grande présence des graves, tandis que les micros saisissent jusqu’au moindre soupir de Jean-Christophe Spinosi. Heureusement, sa ligne de violon ne tremble jamais. L’Ensemble Matheus part à l’assaut de Haendel : le continuo fuse, les attaques claquent, la musique avance avec une énergie à toute épreuve.

Remanié pour s’accorder à l’acoustique, le programme devient un voyage plus libre encore que la succession d’airs annoncée. La Music for the Funeral of Queen Mary de Purcell répond à la Médée de Charpentier ; le Cum dederit de Vivaldi, transcrit pour violon et continuo, glisse vers la Sarabande de Haendel, avant le Concerto rustico et les folies de Platée. Les pages espagnoles de José de Nebra et de Haendel, puis les airs de tradition orale, déplacent encore les frontières. Tonalités parentes, traits semblables, mêmes élans de danse ou de plainte : ici, la musique classique n’est ni corsetée ni morte. Elle circule, vibre et se partage.

Vers l’horizon

Cette liberté tient beaucoup à l’amitié ancienne et à la complicité réelle entre la soprano et le violoniste. Elle joue, ose, passe de la tragédie au sourire ; il relance, accompagne, provoque. Même les accidents deviennent matière de concert.

Mais la fête ne dissipe pas tout. Depuis mars, la commune est dirigée par le RN, vainqueur par vingt et une voix d’avance. Le nouveau maire a promis de conserver l’édition 2026, tout en annonçant qu’en 2027 le festival « prendra une nouvelle forme » [Lire ici]. Une formule assez vague pour nourrir les craintes exprimées par Jean-Christophe Spinosi et les musiciens en fin de soirée.

Patricia Petibon prend alors le micro pour évoquer sa famille de La Seyne-sur-Mer, les ouvriers des chantiers navals, artistes et musiciens en puissance qui auraient peut-être pu le devenir pleinement si les circonstances le leur avaient permis. Elle se dit chanceuse. L’émotion la gagne. Soutenir un festival, rappelle-t-elle en creux, c’est aussi empêcher que des vocations demeurent des vies inaccomplies.

En bis, Danny Boy suspend la salle. Le navire tangue, mais la musique tient bon.

SUZANNE CANESSA

Le concert a été donné le 19 juillet à l’Espace André-Malraux de Six-Fours-les-Plages dans le cadre du festival La Vague Classique

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Turbulences de l’adolescence

Elle a choisi une amie comédienne qui a la même énergie : Chloé Zufferey possède une voix aux modulations étonnantes dans les graves qui ouvre d’ailleurs le spectacle. Descendant du fond de la salle, elle saute sur la scène dans un hurlement. S’ensuivent les récits alternés de victoires amoureuses, de défaites et de trahisons. Car le sujet est bien celui des amours de jeunesse, du désir de plaire, du corps qui change, des premières règles…

La scénographie est sobre. Un grand tableau noir occupe le fond. Camille y écrit et dessine, note les dates. Les épisodes se succèdent avec cocasserie, recherche de vêtements sexy, jeux de lèvres et de hanches dans le miroir. Épisode enthousiasmant : la comédienne va s’assoir sur les genoux d’un spectateur qu’elle appelle papa et lui donne à lire des répliques imprimées. Tout cela a un charme fou, c’est inventif et léger !

Le spectacle se fait plus sobre et plus sérieux quand Camille est confrontée au décès de sa grand-mère, découvrant à la fois la douleur de la perte et la crainte de sa propre disparition. Surgissent alors les questionnements sur ce que l’on devient après la mort avec l’angoisse de grandir trop vite. Un spectacle très équilibré et des artistes pleines de promesses.

CHRIS BOURGUE

De 10 à 13 écrit et mis en scène par Camille Dordoigne se joue au Train Bleu jusqu’au 23 juillet

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