Le charme opère dès les premières minutes de Si Pina m’avait raconté. La danseuse Marion Schrotzenberger, également autrice et metteuse en scène de ce projet hybride, parcourt son dossier de demande de subvention « de recherche » et sa note d’intention où s’entremêlent mots-clés, phrases toutes faites et une réelle sincérité quant à son projet. Celui-ci consistera à rendre hommage à Pina Bausch, intarissable source d’inspiration dans sa capacité à résonner avec l’intimité et le quotidien de la danseuse. S’enchaînent ainsi au gré des conversations anodines les extraits, très bien exécutés, des chorégraphies les plus célèbres – Kontakthof, Café Müller … – avec la complicité d’Eric Languet assurant, entre autres, les nombreux portés.

Le théâtre dansé cher à la chorégraphe excelle à incarner les injonctions constantes faites aux femmes, et notamment à cette « femme de 39 ans, mère de deux enfants, et pauvre » qui interroge non sans inquiétude la place qu’occupe l’art dans sa vie. Si le dialogue demeure passionnant, c’est évidemment parce qu’il nous est offert par une interprète talentueuse et investie, mais aussi parce que le langage de Pina Bausch demeure intemporel, dans sa capacité inimitable à toucher à la fois au transcendant et au quotidien.

Offrir Phèdre

La Phèdre de Racine demeure, également, un de ces chefs-d’œuvres capables de traverser public, lecteurs et lectrices, comédiens et comédiennes … Et c’est à un dialogue informel que les comédiens Chloé Brugnon et Maxime Kerzanet nous invitent pour l’appréhender. Également à la mise en scène, Chloé Brugnon pousse le public, et surtout le plus jeune, que ses nombreuses interventions en milieu scolaire lui ont appris à connaître, à savourer chaque alexandrin, à y trouver tout ce qui s’y noue de poésie. Si le texte demeure aujourd’hui si fort pour quiconque prend réellement la peine de s’y plonger, c’est parce qu’il y est « avant tout question de transmission, y compris de transmission tragique ». La voix de Maxime Kerzanet et ses loops de guitare invitent à une scansion méditative.

Suzanne Canessa

Si Pina m’avait raconté sera joué jusqu’au 12 juillet à la chapelle du Verbe Incarné
Dieux que ne suis-je assise à l’ombre des forêts sera joué jusqu’au 26 juillet au Théâtre du Train Bleu, Salle MAIF

Quelle belle idée au trio Bergé, Pelabon et Saniez d’importer à Avignon, et espérons-le au-delà, la comédie de l’américain Richard Greenberg : « La brève liaison de maman » ! Voilà un théâtre qui s’affranchit de l’actualité et aborde des liens familiaux à l’accent plus universel.

Dès l’ouverture il nous plonge dans un bain brûlant où ses quatre personnages crawlent en perte de repères sans jamais se noyer. Deux jumeaux, homme et femme, homosexuels tous les deux, n’ont pas grand chose en commun ; il est doux, serviable, elle pétarade au moindre accroc. Frédéric Andrau et Anne Le Guernec excellent dans cette antinomie fraternelle.  Qui va être bouleversée.

Au crépuscule de sa vie, à deux pas de l’entrée d’un EHPAD, leur mère s’invente (ou pas) une vie éclairée par une liaison amoureuse torride qui percute l’assurance de ses enfants. Liane rouge sang, écorchée par les années, Francine Bergé irradie une lumière vénéneuse, drolatique ;  elle engage un jeu de massacre perdu d’avance contre la vieillesse galopante. Hiératique, avec sa voix inimitable aux voyelles élastiques, elle boxe nos émotions entre rires, ricanements et estomac serré. À ses côtés, Jean-Jacques Vanier est un amant sensible et discret. Un solide quatuor orchestré par Isabelle Starkier, à la direction d’acteurs impeccable.

Jean-Louis Châles

La brève liaison de maman, jusqu’au 29 juillet, Théâtre du Petit Louvre

La conférence gesticulée de Nadège de Vaulx(-en-Velin)s’ouvre sur un désopilant défilé : dument maquillée et parée, la jeune femme emprunte sa gestuelle à Brigitte Bardot, Catherine Deneuve ou on ne sait trop quelle française qu’on croirait tout droit sortie d’Emily in Paris. Française, Nadège ne l’est que très partiellement : selon la tradition algérienne, elle aurait même dû porter le nom de sa grand-mère morte peu de temps avant sa propre naissance, Aïcha. Mais sa mère, franco-algérienne, en aura décidé autrement. De même que son père, également algérien, rêvant pour sa fille d’une intégration vantée par la France d’alors, celle des années 1980 et 90. Quitte à voir s’ouvrir sous ses pieds un abîme de nostalgie en constatant que ses filles, adultes, propulsées « grandes diplomates » dès leur premier stage à l’étranger, n’ont rien conservé de leur pays d’origine : ni sa langue, ni sa culture. Les années traversées rétrospectivement par Nadège suscitent une colère saine : d’autant que, rappellera-t-elle amèrement, quarante ans après la marche pour l’égalité et contre le racisme, les violences policières ne semblent jamais s’être aussi bien portées. Le tout est jalonné de saillies humoristiques irrésistibles, jamais dénuées de gravité : mention spéciale à ce « quizz raciste » annoncé à coup de pas chassés et éventage de drapeau sur le générique de Fort Boyard.

Suzanne Canessa

« J’aurais dû m’appeler Aïcha » est jouée au Marseillais jusqu’au 16 juillet.

On comprend dès l’entrée que Clément Marchand est un scénariste aguerri : virtuosité des dialogues, enchaînements des situations, peinture approfondie des personnages. L’auteur signe aussi sa première mise en scène : un doublon gagnant dans lequel voltigent deux comédiens. Jean-Baptiste Guichard (Émile) faux calme, délicat, ambigu pour les autres mais pas pour Guillaume Tagnati (Maxime), le footeux, accro à une réussite conquise par les muscles de sa volonté. Ces deux-là vivent une histoire d’amitié improbable, qui s’avèrera indestructible malgré les vacheries de la vie.

L’enfer des cuisines

Ils ont 15 et 16 ans quand ils s’apprivoisent lors d’une formation de cuisiniers, l’une des plus ingrates qu’on puisse imaginer, hérissée d’humiliations et de coups bas. Émile en est le principal souffre-douleur en tant que fils d’un grand chef. Puis ils intègrent l’équipe d’un restaurant gastronomique. Une opportunité ? Non : un châtiment. Clément Marchand décrit sans complaisance ce milieu absurde où les jeunes cuistots triment des heures entières pour un salaire de misère, plient l’échine sous les insultes, doivent se taire et répondre : « Oui chef ! » Émile veut y échapper, Maxime veut y réussir et la branche de leur amitié craque jusqu’à se rompre. Mais pas complètement.

Il est inhabituel qu’un auteur au théâtre traite du thème de l’amitié. Avec ces Frère(s) toute une panoplie d’émotions nous submerge, secoués par la beauté des lumières, l’ingéniosité épurée du décor, les musiques et les chorégraphies de Delphine Jungman. Les comédiens s’investissent corps et âmes dans cette partition délicate, tremblante sur le fil de sentiments : ils connaîtront l’enfer des cuisines, les bagarres napolitaines, les matches de foot hystériques et même la prison. Malgré la rudesse des épreuves, ils resteront frères de cœur.

Jean-Louis Châles

« Frère(s) » est donnée jusqu’au 29 juillet à La Scala Provence.