Zébuline. La saison 2023-24 des 13 vents démontre la volonté de mettre en avant la création, cela vous semblait une nécessité dans le contexte actuel ?
Nathalie Garraud. C’est même notre mission fondamentale en tant que centre dramatique national : la création et le soutien aux artistes sont notre cœur de métier et la raison d’exister de ce type de lieu. D’un point de vue sensible et politique, que les artistes puissent être au centre d’une réflexion sur leur époque me semble une nécessité très forte. Afin que quelque chose d’une invention qui naît dans une œuvre soit porté, protégé et partagé avec du public.
La saison est lancée le 17 octobre par Caligula d’Albert Camus, une pièce aussi philosophique qu’engagée politiquement. La preuve que le rôle du théâtre est aussi de faire réfléchir ?
Le choix et la sensibilité des artistes sont le signe des temps. Jonathan Capdevielle fait partie de l’Ensemble Associé du Théâtre des 13 vents. Le fait que ce grand acteur et faiseur d’art choisisse de travailler sur cette pièce signifie que quelque chose de profond fait écho en lui, notamment dans la question du rapport au pouvoir. La dimension politique ne lui est pas indifférente, pas plus qu’elle ne l’est pour l’ensemble des artistes. Je pourrais citer Brecht et dire que le théâtre a deux fonctions : divertir et instruire. Nous ne devons oublier aucune de ces deux fonctions. Au contraire, il nous faut instaurer une dialectique.
Comment cette dialectique entre divertir et instruire se décline-t-elle dans vos choix de programmation ?
Les trois premiers mois de la saison portent assez fort le projet du CDN dans son ensemble.
Octobre est consacré à un artiste associé, Jonathan Capdevielle, qui fait une nouvelle création en ouverture de saison (du 17 au 19 octobre). Cette pièce a été répétée, travaillée et construite ici.
En novembre, la deuxième édition de la Biennale des Arts de la Scène en Méditerranée (du 8 au 25 novembre) est un moment très important pour nous. Nous avons construit le projet des 13 vents autour de cette possibilité d’inviter des artistes étrangers avec lesquels nous partageons la même géographie méditerranéenne. La question de l’hospitalité y est essentielle, comme en témoignent trois créations co-produites par les 13 vents : Il Tango delle Capinere d’Emma Dante (9 et 10 novembre), Milk de Bashar Murkus (16 et 17 novembre) et Ordalie de Chrystèle Khodr (22 et 23 novembre). Soit une artiste sicilienne, un artiste palestinien et une artiste libanaise. Cette biennale, un projet collaboratif coopératif regroupant quinze partenaires à Montpellier et alentour, comporte une programmation beaucoup plus vaste que celle que nous proposons au théâtre.
En décembre, nous présentons notre propre création : Institut Ophélie (du 7 au 20 décembre). Une piècequi commence sa deuxième saison de tournée et que l’on va reprendre avec notre troupe permanente.
Ainsi, le début de saison reflète notre mission d’hospitalité, une réflexion partagée avec d’autres artistes sur la place de la création dans la vie sociale et la cité ainsi que notre envie en tant qu’artistes-créateurs que le public puisse partager absolument et sensiblement les questions qui nous traversent.
ENTRETIEN RÉALISÉ PAR ALICE ROLLAND
Théâtre des 13 vents Centre dramatique national de Montpellier 04 67 99 25 00 13vents.fr
Zébuline. Pouvez-vous nous parler de votre expérience après un an au Théâtre Joliette. Quelles différences avez-vous ressenti eu égard à vos expériences précédentes ?
Nathalie Huerta. C’est avant tout une année de découverte, de prise de connaissances avec la ville. Je viens d’une structure ou je suis restée près de vingt ans [le Théâtre Jean Vilar à Vitry-sur-Seine, ndlr], j’avais l’impression de tout connaitre par cœur, ici tout est à apprendre. J’avais quelques appréhensions mais j’ai été très bien accueillie, et les relations se sont nouées simplement avec les divers interlocuteurs. L’écosystème artistique est important à Marseille et dans la Région Sud.
Quelle place doit donner le Théâtre Joliette à cet écosystème ? Être ancré dans son territoire, c’est une nécessité : le Théâtre Joliette a perpétué une longue relation avec les artistes locaux. À laquelle nous ne dérogerons pas : la saison s’ouvrira le 16 septembre avec un grand bal festif préparé par un chorégraphe marseillais, Christian Ubl. Mais ce ne doit pas être un critère en soi, l’axe du projet doit prévaloir. Il y a une grande diversité dans la programmation, que ce soit en termes de formes, d’origines. J’ai tâché de programmer des productions « jamais vues », qui apporteront de la nouveauté dans le paysage marseillais tout en restant accessibles, de créer des rencontres entre les disciplines tout en gardant une identité au niveau des auteurs.
« Nous avons un rôle sociétal et politique à jouer »
Quelle part prennent les co-programmations cette année ? Tout d’abord, nous accueillons de nombreux festivals : actoral, Parallèle, le Festival de Marseille, Rencontres à l’Echelle, la Biennale des Écritures du Réel, Klap… Nous portons ensemble les projets. Par exemple en octobre, la création marionnettique Les Vagues d’Elise Vigneron d’après Virginia Woolf est en coopération avec le Théâtre du Gymnase. Dans le cadre du compagnonnage artistique d’Elise Vigneron, deux autres spectacles seront réalisés avec elle cette saison, Glace et le spectacle participatif Lands sur la place en avril.
La plupart de vos compagnons sont d’ailleurs des compagnonnes, de même que la majorité des artistes programmés cette saison sont des artistes femmes … En effet, nous suivons en compagnonnage cinq artistes sur une durée de trois ans, quatre femmes et un homme. Nous ne l’avons pas fait exprès, mais c’est finalement si rare que nous en sommes un peu fiers.
Vous nous avez parlé d’ancrage local, mais vous accordez également une grande importance à la composante internationale. Le Théâtre Joliette a un fort axe orienté vers le « Sud global ». Nous recevons en novembre trois artistes originaires de Palestine, nous allons aussi programmer des spectacles brésiliens, marocains, mexicains, belges, québécois, suisses… Nous sommes par ailleurs en train de construire avec les Rencontres à l’Echelle un focus autour des artistes subsahariennes en juin. Nous aimons mettre en avant les ancrages multiculturels, comme avec Tamara Al Saadi, artiste française d’origine irakienne, ou l’artiste franco-syrien Fida Mohissen.
Que signifie pour vous être une scène dédiée à la création et l’écriture contemporaine ? C’est être en phase avec le monde, la réalité. Les artistes appréhendent le monde en ouvrant des horizons, et nous avons un rôle sociétal et politique à jouer. Mais en ces temps de crise sociétale et environnementale, le théâtre se doit aussi d’être une bulle de réunion, de joie, d’émotion. Il faut donc trouver un équilibre entre ces deux vocations. Dans ce quartier de la Joliette, qui est avant tout un quartier de travail, le théâtre est par ailleurs un lieu de vie à part entière, qui peut apporter de la fréquentation, et une vraie dynamique avec d’autres lieux culturels.
« Près d’un tiers de notre public sont des jeunes, et pas que des scolaires, la plupart viennent de leur plein gré »
Quelle place sera accordée à la danse cette saison ? Je suis très attachée à la danse et aux arts du mouvement, mais notre lieu a davantage une identité théâtrale. Notre volonté est donc de nous ouvrir via nos partenariats avec des institutions reconnues telles que Klap, par exemple avec Ayta de Youness Aboulakoul et la dernière création du collectif de danseurs acrobates NAIFProductions. Nous accueillons également Bouziane Bouteldja, un chorégraphe de danse hip-hop, qui a été programmé avec la Biennale des Ecritures du Réel. Il mêle un travail d’action culturelle mêlée à un travail chorégraphique très intéressant. Enfin Dalila Belaza sera programmée dans Figures, dans le cadre du festival Parallèle. Elle mène un travail profond sur la danse traditionnelle.
Avez-vous eu des retours sur les types de publics fréquentant le théâtre ? Un gros travail est effectué avec la jeunesse ici. Près d’un tiers de notre public sont des jeunes, et pas que des scolaires, la plupart viennent de leur plein gré [rires]. La diversité culturelle se retrouve dans ce jeune public. Nous souhaitons également travailler sur le champ social, pour que la diversité sociale de la population de la ville se reflète dans le public, comme j’avais pu le faire en banlieue parisienne par exemple ; les communautés étrangères de Marseille se doivent aussi d’être représentées. C’est une démarche difficile mais profonde et précieuse.
Zébuline. Votre début de saison comporte deux adaptations de films d’Ingmar Bergman. Le diptyque Après la répétition / Persona, mis en scène par Ivo van Hove, que vous interprèterez avec Emmanuelle Bercot fin septembre, et A Bergman Affair en février. Est-ce un choix délibéré ?
Charles Berling. Pas vraiment, non. Il s’agit d’un hasard de calendrier, même si au fond il n’y a jamais vraiment de hasards [rires]. Ivo van Hove avait créé ce spectacle avec une troupe d’acteurs hollandais il y a dix ans, et nous venons de le recréer au Printemps des Comédiens. J’avais vu la pièce à Londres et j’avais été bouleversé. L’œuvre de Bergman embrasse énormément de choses, du point de vue de l’art, du langage, de la compréhension de l’être humain sous toutes ses facettes, y compris les plus retorses. C’est une pièce très forte, et travailler sous la direction d’Ivo van Hove a été une immense joie. Toujours est-il qu’il n’est pas étonnant qu’Olivia Corsini, qui est une actrice et metteuse en scène de grand talent, se soit intéressée à Bergman, elle qui avait mené un projet à terme sur Raymond Carver, immense auteur. Nous avons vu son spectacle et l’avions trouvé très beau. Un heureux hasard, donc. La vraie thématique de ce début de saison, Y croire, qui articule notre programmation, se retrouve à vrai dire dans toute l’œuvre de Bergman, quand on y pense : dans sa façon d’interroger l’amour, et même l’art du théâtre.
« Je prends soin de conserver un équilibre entre le grand spectacle et une exigence artistique à toute épreuve »
Votre programmation opère justement de nombreux allers-retours entre cinéma et théâtre : Bergman donc, en compagnie d’Emmanuelle Bercot plus présente sur les écrans que sur les plateaux, Nanni Moretti qui fera sa première mise en scène sur les planches, Carole Bouquet en Bérénice, Roschdy Zem et Laetitia Casta dans une transposition pour la scène d’Une journée particulière d’Ettore Scola, ou encore Anne Brochet … Peut-on dire que cela est devenu votre marque de fabrique ?
J’ai toujours eu à cœur de dé-segmenter les choses. J’ai toujours effectué ces fameux allers-retours entre les écrans, au cinéma mais aussi même dans des téléfilms – j’ai récemment joué le rôle de Romain Gary pour Philippe Lefebvre, et c’était une expérience formidable ! Tous les acteurs et surtout actrices que vous mentionnez ont déjà fréquenté le théâtre et le cinéma, en y apportant toujours des choses nouvelles. De même que je prends soin de conserver un équilibre entre le grand spectacle, au sens le plus noble du terme, et une exigence artistique à toute épreuve. La seule chose qui me manque, parfois, c’est le temps, car le métier de comédien laisse finalement peu de temps libre pour aller voir jouer les copains [rires]. Je peux heureusement compter sur une équipe incroyable, qui sait prendre le temps de prospecter : Stéphane de Belleval, Benoît Olive,Cynthia Montigny – entre autres ! Et notamment de découvrir et de chérir les compagnies régionales, de leur donner toute l’attention qu’elles méritent. Marie Vauzelle, François Cervantes par exemple… On accompagne ainsi souvent des artistes dans leur reconnaissance nationale, voire internationale. Je suis particulièrement fier que Châteauvallon-Liberté ait permis de mettre en avant une artiste aussi formidable qu’Alexandra Cismondi, par exemple. Et puis il ne vous aura pas échappé que je suis sensible à la notion de fidélité : Michel Boujenah sera de nouveau présentpour son seul-en-scène, Muriel Mayette pour Bérénice, ou encore Olivier Martin-Salvan et son Péplum médiéval. Ce sont des artistes et des personnes que je chéris.
« La baisse des budgets qui nous a notamment contraints à amputer cette saison d’une dizaine de spectacles »
Ce début de saison mettra également en avant des artistes s’intéressant à la représentation des Noirs, au théâtre avec Tania de Montaigne mais aussi Kery James côté musiques, la chorégraphe Dada Masilo et son Sacrifice inspiré du Sacre du Printemps… Est-ce une mission qui vous tient à cœur ?
Il me tenait avant tout à cœur de programmer des artistes intéressants, qui avaient des choses à dire et des façons intéressantes de le dire … L’idée n’était évidemment pas de chercher à tout prix une représentativité factice. Un réel rééquilibrage doit être fait, au même titre qu’entre hommes et femmes. Mais je n’ai personnellement pas attendu les quotas pour m’y atteler ! Je m’intéresse avant tout à l’essence des œuvres. Dans mon parcours, ma filmographie, je serais bien malaisé de relever ce qui a pu différer entre un metteur en scène et une metteuse en scène. Lorsque j’ai découvert le travail de metteur en scène de Jean-Pierre Baro, j’ai été soufflé par son travail. Avant même de découvrir qu’il était noir. J’espère parvenir à le programmer sur la saison prochaine, car il a vraiment énormément de talent.
Comment concevez-vous l’avenir de Châteauvallon-Liberté ? Vous appliquez-vous à vous-même le théma de ce début de saison, y croire ?
Bien sûr que j’y crois, et qu’il faut toujours rester optimiste. Mais je n’ai pu m’empêcher de constater, comme tous mes collègues, la baisse des budgets qui nous a notamment contraints à amputer cette saison d’une dizaine de spectacles. L’inflation, la hausse des salaires n’ont toujours pas été compensées, et nous espérons que notre travail d’action culturelle ne va pas en pâtir car il est essentiel. Pour la première fois depuis longtemps, j’ai l’impression qu’aucun grand responsable politique ne prend la peine de le rappeler : cette nécessité de défendre ce système absolument unique qui doit être pensé en dehors du marché, et non pas en fonction de lui. Mais nous allons tous nous battre !
ENTRETIEN RÉALISÉ PAR SUZANNE CANESSA
Châteauvallon – Liberté Scènes nationales de Toulon et Ollioules 09 80 08 40 40 chateauvallon-liberte.fr
Zébuline. Votre saison s’ouvre sur une journée festive ce samedi 16 septembre. En quoi consiste-t-elle ?
Robin Renucci. J’avais pour désir d’ouvrir la saison sur une journée qui remettrait le théâtre à l’endroit des vraies richesses de la vie. Mon idée du théâtre est très loin des salles fermées prisées par la bourgeoisie du XIXe siècle. Je veux rappeler aux Marseillaises et aux Marseillais que ce lieu leur est consacré, et qu’ils y sont chez eux. Cette journée leur permettra notamment de circuler sur le plateau, et de se l’approprier. Une succession de rencontres, d’ateliers autour du souffle, mais aussi avec les libraires de l’Histoire de l’Œil, des comédiens de l’Eracm, les cuisiniers des Grandes Tables, célèbreront les arts mais aussi ceux de la table – un marché se tiendra, et la boulangerie Pain Pan y sera un invité de choix ! Aix-Marseille Université proposera également une expérience de sciences et d’art dont la thématique sera « Se nourrir en Méditerranée ». Et on dansera… et ce jusqu’à ce que Michel Portal propose un concert comme toujours décapant en fin de journée.
C’est une des directives marquantes de cette saison : son fort ancrage local.
Je ne pense pas que le rôle d’une scène nationale soit de proposer un défilé des productions parisiennes et des plus gros succès du Festival d’Avignon. Notre rôle est ailleurs à mon sens, ce qui ne signifie pas que le théâtre oublie d’être un lieu de représentation national, européen et international. Mais il est vrai que je voulais avant tout fêter la Méditerranée. L’Italie de Nanni Moretti, qui prend un grand risque en proposant chez nous sa première œuvre théâtrale. Celle de Pippo Delbono, emplie de poésie et de musique… La saison théâtrale s’ouvrira sur le spectacle d’Alice Zeniter, et c’est un choix qui me tenait à cœur. Car nous sommes en présence d’une autrice mais également d’une comédienne née, et d’une profonde méditerranéité. Dans la beauté de son écriture, dans sa capacité d’échange avec le public. Il me semblait utile de rappeler que la place pourtant essentielle des femmes dans ce domaine est encore trop souvent réduite à portion congrue. Et puis, c’est une écriture passionnante, généreuse, qui raconte avant tout ce qu’écrire veut dire : voilà quelque chose qui peut parler aux jeunes femmes, mais également à toutes et tous.
« Je ne pense pas que le rôle d’une scène nationale soit de proposer un défilé des productions parisiennes »
Cette question de la naissance de l’écriture, voire même du désir de l’écriture, était d’ailleurs déjà centrale dans votre seul en scène, L’Enfance à l’œuvre…
C’est une question qui me travaille, en effet ! Je conçois le théâtre non pas comme un art industriel, mais dans sa dimension artisanale. Le théâtre est une fabrique, qui se construit à échelle humaine. Elle met en contact profond des autrices, des auteurs et le public. Ce métier a très souvent été dévoyé par le vedettariat des acteurs ou des metteurs en scène : on va voir machine ou machin dans un spectacle, peu importe lequel… Et on oublie l’auteur, l’autrice, l’histoire qui se raconte : le récit. Je veux replacer le théâtre à sa vraie exigence, car je pense que c’est là que se trouve la possibilité d’inviter celles et ceux qui ne sont pas encore le public du théâtre, d’élargir la base sociale des publics. C’est pourquoi j’ai notamment décidé de proposer des spectacles sur un temps long, soit à peu près une dizaine pour le spectacle de François Cervantes, pour ma création À la paix !, quatre à cinq pour Alice Zeniter, Les Trois Mousquetaires, Suzanne aux Oiseaux… Je voulais que ces spectacles aient le temps de rencontrer un public qui n’est pas un public d’habitués, qu’il aille au-delà des deux ou trois salles combles faites par des grands noms auprès des seuls spectateurs et spectatrices qui connaissent les usages du théâtre. Évidemment, ce parti pris réduit les possibilités de proposer un nombre élargi de spectacles : il y a peut-être un peu moins de musique, un peu moins de danse… Et ce malgré mon goût de la tranversalité !
« Je conçois le théâtre non pas comme un art industriel, mais dans sa dimension artisanale »
Et les nombreux partenariats que La Criée a noué de longues dates, et continue de mener, avec d’autres lieux, et des festivals …
D’autant que ce sont des partenariats qui ont toujours un sens très fort : il ne s’agit pas de prêter notre salle au premier projet venu, et la fraternité qui demeure entre les salles marseillaises, loin de toute compétitivité, me remplit de joie. Je suis évidemment sensible au travail que mène Marseille Concertspour faire vivre la musique classique dans cette ville. Mais également à la volonté du théâtre de garder le contact avec la littérature, et avec la pensée : le festival des Rencontres d’Averroès compte tout particulièrement pour moi. J’accueille avec grand plaisir plusieurs spectacles programmés par Dominique Bluzet, qui a compris que nous voulions tisser quelque chose qui aurait du sens. Le travail de Myriam Boudenia et Louise Vignaud, metteuse en scène de grand talent, sur les débuts de la guerre d’Algérie, est sensible, fort, remarquable. Je suis également très admiratif du travail mené par mes consoeurs Nathalie Huerta au Théâtre Joliette et Francesca Poloniato au Zef. Je sais enfin à quel point un festival tel qu’actoralest aujourd’hui nécessaire : ce théâtre contemporain, très contemporain, qui questionne les formes et le monde d’aujourd’hui.
Votre mise en scène d’une nouvelle traduction de la Paix d’Aristophane par Serge Valetti, à retrouver en novembre prochain, est très attendue. Comment en êtes-vous venu à concevoir ce projet ?
Il me semblait particulièrement juste de questionner aujourd’hui le sens de la guerre dans une société qui n’en a à la fois jamais été si lointaine et si proche. La pièce se réfère à un temps de trêve, qui ressemble au monde que nous connaissons aujourd’hui. Et c’est en temps de trêve qu’il faut questionner notre rapport à la guerre, sans se montrer moralisateur ou résoudre superficiellement cette question sans fin : pourquoi sommes-nous si belliqueux ? Le texte a 2500 ans mais il semble avoir été écrit il y a quelques années. La langue d’Aristophane est très forte, irrévérencieuse, emplie d’humour. Très astucieuse aussi, notamment dans sa réflexion écologique : l’essence pour la machine volante évoquée dans le texte est fait de matières organiques. On émet déjà l’hypothèse que nos déchets soient le carburant de l’avenir. Et puis il y a dans l’idée du titre, À la paix !, ce besoin dionysiaque, festif, de trinquer à l’avenir. Chez Aristophane, Hermès est le gardien de la vaisselle des Dieux. C’est dire si la convivance et la convivialité sont essentielles à la survie de l’être humain !
Autour du contrebassiste Claude Tchamitchian et de sa Compagnie Émouvance, le festival des Émouvantes vise à faire découvrir au public des musiques trop peu entendues à Marseille. Après dix ans de villégiature aux Bernardines, l’événement se tient comme en 2022 au Conservatoire Barbizet, où l’on va retrouver également plusieurs masterclasses animées par les artistes.
Le TrioSuzanne ouvre la danse le 21 septembre, avec Pierre Tereygeol, Hélène Duret et Maëlle Desbrosses, tantôt à la voix, tantôt instrumentistes, qui interprèteront de mélancoliques chansons folk. Suivra le délicat trio Poetic Power autour de Claude Tchamitchian avec Christophe Monniot au saxophone et Eric Echampard à la batterie.
Musique et transat
Le 22 à 19h, le violoniste Frédéric Aurier et le percussionniste Sylvain Lemêtre présenteront leur cocréation éclectique Super Klang, inspirée tant des musiques actuelles que de celles du passé. Seront de la partie violon et tambour bien sûr, leurs instruments de prédilection mais également pendule de Newton, zarb, nyckelharpa pour cette proposition originale. À 21h, le quartet Transatlantic 4 de Steve Swell (trombone), Sylvain Kassap (clarinette), Shad Taylor (batterie) et Benjamin Duboc (contrebasse) regroupera musiciens français et américains des deux côtés de l’Atlantique.
Le samedi 23 à 19h, le clarinettiste Louis Sclavis s’unira au percussionniste Keyvan Chemirani, spécialiste de la musique persane, pour une rencontre musicale singulière. Le festival s’achèvera à 21h avec le grand concert « Brain Songs ». Ce projet porté par l’Ensemble Nautilis tire ses racines dans les neurosciences : ses pièces ont été composées par Christophe Rocher sur la base d’un diagramme cérébral. Cette réflexion poussée sur le processus créatif, unissant intelligence artificielle et improvisation, sera le parfait point d’orgue à un festival toujours aussi enthousiasmant.
SUZANNE CANESSA
Les Émouvantes Du 21 au 23 septembre Conservatoire Pierre Barbizet, Marseille festival-emouvantes.fr
Les Rencontres cinématographiques de Cavaillon fêtent leurs vingt ans. Un âge respectable pour un festival soutenu depuis toujours par les instances municipales et régionales, et dont le président souligne la maturité et l’ancrage. Organisé par l’association Ciné Plein Soleil en collaboration avec les cinémas de Cavaillon : la Cigale et le Femina, la manifestation cavaillonnaise, avec ses avant premières, ses débats animés par le médiatique et enthousiaste Xavier Leherpeur, se déroule du 21 au 24 septembre.
En ouverture, Jean-Pierre Améris présente Marie-Line et son juge. Une comédie dramatique feelgood qui rapproche un vieux juge bougon et triste (Michel Blanc) d’une jeune serveuse –« cagole » version havraise, pétillante et joyeuse, interprétée par Louane. Le lendemain, c’est au tour de l’acteur-réalisateur Nicolas Giraud d’accompagner ses deux premiers longs métrages : Du Soleil dans mes yeux, drame intime et sensible de 2017 et l’Astronaute sorti en 2023, salué par la critique mais peu diffusé. L’histoire d’un ingénieur aéronautique qui suit son rêve, construisant sa propre fusée pour le premier vol habité amateur. Le vendredi 22, sera social et politique avec deux avant-premières. Une année difficile co-signé par Éric Toledano (invité des Rencontres) et Olivier Nakache. Et Le monde d’après de Laurent Firode quiparlera de son film, grinçant et libre, réalisé sans subventions, pour dénoncer l’instrumentalisation par le pouvoir en place, de nos peurs actuelles.
Les femmes hors-champ
Le 23, focus sur Philippe Lioret en trois temps : Toutes nos envies (2010) qui met en scène le duo gagnant Vincent Lindon – Marie Gillain dans un combat juridique contre le surendettement ; Tombés du ciel (1994) où l’on suit les mésaventures d’Arturo (Jean Rochefort) errant dans la zone internationale de Roissy. Et enfin, inédit au cinéma, le téléfilm Paris-Brest, une histoire de famille chabrolienne et toxique, adaptation de Tanguy Viel pour Arte. Ce même jour, on pourra entendre Serge Valetti et découvrir en primeur le dernier Guédiguian au titre si optimiste (pas un souhait, non, mais un constat) : Et la fête continue.
Le dernier jour, voyage avec le grand réalisateur allemand Volker Schlöndorff . En Grèce ( The Voyager), au milieu des Steppes d’Asie (Ulzhan), au Niger dans le sillage de l’agronome Tony Rinaudo (The Forest Maker).
C’est le biopic de Frédéric Tellier, L’Abbé Pierre- Une vie de combats (sortie nationale le 8 novembre) avec dans le rôle-titre Benjamin Laverhne, qui clôture ces Rencontres. Portrait du fondateur d’Emmaüs dont le bréviaire fut de « refuser ce monde où le plus grand nombre souffre, se mobiliser contre l’injustice », œuvrer en faveur de « l’insurrection de la liberté, de la justice, sinon ce sera l’insurrection de la colère. »
Parmi ces invités de prestige, on s’étonnera de ne compter qu’une seule invitéE, l’actrice Mallory Wanecque, révélée par Les Pires de Lisa Akoka et Romane Guere, programmé le samedi 23 septembre à la Cigale. Hasard ? Choix ? Non choix ?
ÉLISE PADOVANI
Rencontres cinématographiques de Cavaillon Du 21 au 24 septembre Aux cinémas La Cigale et Fémina rencontrescine-cavaillon.fr
Installée à l’orée des quartiers Nord de la ville, Klap – Maison pour la danse a toujours eu à coeur d’entretenir un lien fort avec ses voisins. Le clou est enfoncé cet automne, avec une exposition consacrée au boulevard National, considéré comme une entité à part entière (vernissage le 16 septembre). La démarche se poursuit jusqu’en décembre avec le programme Question de danse, qui propose de régulières présentations d’étapes de travail. Le rituel est immuable : à l’issue de formes courtes (de 30 à 40 minutes), un échange est initié avec les artistes à propos de leur travail en cours. Parmi ces projets, signalons Inaccessible Vallée (le 28 septembre à 19 h), un solo autobiographique hybride dans lequel Max Fossati explore, en mouvements et en mots, la construction de l’identité masculine, via l’exploration de la relation qui le liait à son grand-père défunt, porteurs de valeurs d’un autre temps. Cette fabrique de l’identité en cours de construction, c’est une thématique qui anime Arthur Perole dans son travail au long cours. Tendre Carcasse pose un nouveau jalon dans cette recherche, menée cette fois avec quatre interprètes tout juste sortis de formation (le 14 octobre à 19h). Autre artiste régionale emblématique, Josette Baïz, à la tête de la Compagnie Grenade, met en scène pour sa prochaine création quatre artistes aux univers très forts : le hip-hop de Kader Attou s’y confronte à la recherche théâtrale de Nicolas Chaigneau et Claire Laureau, à l’écriture contemporaine d’Ivan Pérez et aux questionnements sur le genre des Filles de Mnemosyne (Antipodes, le 14 octobre à 20h).
Mise en abyme ludique
Au rayon de la diffusion, plusieurs créations d’importance émaillent la saison à venir. Du genre, il en est aussi question chez la Compagnie HKC, qui décide d’user d’une mise en abyme ludique pour aborder ce sujet déjà quasiment galvaudé : au plateau, cinq danseuses, une autrice et un metteur en scène tentent de déjouer leurs propres limites, de déconstruire les dénis et injonctions subliminales qui les gouvernent, afin de s’emparer de la thématique au plus juste (Promesse, les 9 et 10 novembre). Quant à l’hôte des lieux, Michel Kelemenis, c’est en janvier qu’il présente en sens murs sa nouvelle création, VERSUS : un duo pour quatre interprètes et de multiples combinaisons, autour de la notion de désir. Entre mirages et faux-semblants, nécessaire abandon au risque de frôler la consumation, sans occulter l’emprise ou la jalousie pouvant mener à la violence, les états de corps racontent ces bouleversements présidant à l’émoi amoureux (présentation préalable d’une étape de travail le 10 novembre). Le 18 janvier, place à une création résonant particulièrement à Marseille : en un funeste effet miroir, la danseuse hip-hop Marina Gomes Hylel aborde via La Cuenta[MedellinMarseille] les tragiques conséquences de faits divers qui endeuillent trop souvent ces deux cités : les règlements de comptes homicidaires et leurs victimes collatérales, de plus en plus nombreuses. Au plateau, trois femmes rejouent ces drames intimes – mères ou soeurs, oscillant entre deuil et résilience, désir de vengeance et aspirations à l’apaisement. La chorégraphe s’est nourrie de ses rencontrés en Colombie auprès d’associations œuvrant auprès des familles pour pacifier les quartiers. À Marseille, les premiers collectifs de femmes endeuillées commencent aussi à émerger.
JULIE BORDENAVE
Klap – Maison pour la danse Marseille 04 96 11 11 20 kelemenis.fr
Zébuline. C’est une surprise de vous voir investir le stade Allianz Arena de Nice en septembre, en préambule des matches de rugby !
Pascal Servera. Il s’agit d’une demande émanant du ministère : faire des interventions dans certains stades concernés par la Coupe du monde. Cela nous permet de fournir des apports financiers conséquents à certains projets, mais aussi de mieux comprendre le tissu culturel du territoire. Nous travaillons ainsi avec des compagnies de Nice : Les hommes de main, qui proposent des formes in situ, et deux fanfares, La Fanfoire et le Nogobi Brass Band. Les propositions seront gratuites, ouvertes à tous sans billets, accessibles sur le parvis après la fouille.
Le 17 septembre, on pourra y découvrir des prémices de la nouvelle création de Rara Woulib.
Vertige(s) se décompose en trois cellules – des éléments sécables, qui peuvent être accueillis séparément – : la première, montrée cet été à Chalon dans la rue, se déroule dans une salle polyvalente, dans un contexte évoquant une fin de fête qui pourrait dégénérer. Des intervenants y prennent la parole pour évoquer leur rapport à l’engagement. La deuxième cellule est celle qui sera accueillie à Nice : une déambulation d’inspiration carnavalesque, dans laquelle vont se porter des discours politiques. On affrète un bus de cinquante personnes depuis Marseille, avec des musiciens amateurs et semi-professionnels dont une chorale pour enfants ! La troisième est une intervention plastique, qui peut accompagner ce cortège. Elle mobilise des habitants d’un quartier, invités à inscrire leurs revendications sur des grands kakémonos déroulés depuis leurs fenêtres. Le spectacle définitif verra le jour d’ici un an.
Retour ensuite en Camargue avec Pont vert(s), de l’artiste arboriculteur Thierry Boutonnier. Le projet se poursuit autour du verger collectif installé au pied des immeubles du quartier Ambroise Crozat. Nous faisons partie des heureux et rares lauréats de l’appel à projets de la Fondation Carasso, ce qui témoigne de la reconnaissance de l’enjeu à la fois écologique et politique du projet, et confirme sa viabilité financière. La deuxième étape démarre en septembre. En ligne de mire : produire la première huile d’olive de Port-Saint-Louis-du-Rhône, avec tout ce que ça comprend d’incertitude à l’heure actuelle ! Cela nécessite en amont une préparation minutieuse, les oliviers seront recouverts de kaolin pour être protégés d’une mouche. La première récolte d’olives sera analysée pour voir quel type de pollution elles contiennent. Ensuite viendra la première production d’huile, en petite quantité, qui donnera lieu à une fête autour d’un loto, le 10 novembre. À terme, la volonté est de rendre cette production autonome. Nous inventons des modalités d’agriculture urbaine, possiblement duplicables ailleurs.
Voyage en Utopies, thème de l’édition 2023 du festival Allez Savoir, avait été choisi avant le passage de relais de l’ancien directeur de l’EHESS, Christophe Prochasson, au nouveau, Romain Huret. Mais celui-ci semble s’en être emparé gaillardement, ce qui n’étonnera pas, puisque l’historien est spécialiste de la fabrique des inégalités dans les sociétés contemporaines, et l’inégalité, au cœur des réflexions séculaires sur l’utopie depuis l’île décrite par Thomas More au XVIe siècle. « Que faire des utopies ? » se demande-t-il dans l’édito de la manifestation. « Comment les réconcilier avec la rationalité, souvent froide, des sciences sociales et leurs méthodologies d’enquête et d’accumulation des savoirs ? » Peut-être justement comme cela, en proposant au public d’assister non pas à d’austères conférences entre spécialistes, mais en hybridant les formats et en invitant la réflexion à dialoguer avec les arts.
Utopie ou dogmatisme ?
Cinq jours durant, en entrée libre, chacun est invité à piocher dans un programme touffu et à circuler dans la cité phocéenne pour se faire sa propre opinion sur la question et sur une foule d’autres. Au Moyen Âge et à la Renaissance, par exemple, creusets de notre propre époque, est-ce que les universités ont plutôt été une fabrique d’utopie, en favorisant la circulation des idées, ou au contraire ont-elles formaté les esprits en tirant vers le dogmatisme ? Réponse le 21 septembre à la bibliothèque de l’Alcazar. Et puisque rien ne vaut de mettre la main à la pâte, pourquoi ne pas participer, le 23 septembre, à l’atelier tout public proposé à la Vieille Charité par Pierre-Antoine Marti, féru de littérature d’anticipation ? Il s’agira de concevoir une société idéale dans la Méditerranée, en évitant qu’elle ne dérive, comme tant d’autres, vers la dystopie.
GAËLLE CLOAREC
« Les citoyens aspirent à plus de démocratie »
Trois questions à Marie-Aude Fouéré, anthropologue, co-présidente avec l’historienne Sabina Loriga du comité scientifique d’Allez Savoir
Comment prépare-t-on un festival de sciences sociales d’une telle ampleur ?
Marie-Aude Fouéré. Nous avons travaillé étroitement avec les Musées de Marseille, et les autres institutions, notamment le CNRS, Aix-Marseille Université… Sabina et moi avons essayé de trouver un équilibre entre les disciplines, histoire, sociologie, géographie etc… ; à articuler avec les dimensions artistiques de la manifestation. Ces dernières ont pris un relief particulier cette année, dont le thème, l’utopie, est par exemple très présent en littérature. Chacune depuis notre discipline, nous nous intéressons à la mémoire, et nous avons mis nos réseaux en commun. J’étais attentive à ce que la programmation porte sur d’autres aires culturelles que l’Europe, s’intéresse à l’Asie, l’Afrique… Un autre critère était important : assurer un équilibre de genre entre les intervenants.
L’Université populaire Marseille-Provence s’est emparée aussi de ce thème de l’utopie en cette rentrée, pour son cycle de conférences. Cela est dans l’air ?
Je pense que ces questions reviennent de manière récurrente dans le champ intellectuel. Sans doute, aussi, vivons-nous un moment historique particulier, avec des crises qui s’accumulent : politiques, nos démocraties prenant un tournant autoritaire ; migratoires ; écologiques ; climatiques… La jeunesse est inquiète de son avenir et les citoyens aspirent à plus de démocratie. Toutes ces voix demandent à être entendues, pour ne pas laisser nos sociétés basculer dans différents types d’horreur.
Concernant l’équilibre entre les genres, chaque année le dialogue inaugural se fait à deux voix. Pour cette édition, ce seront l’historien Jérôme Baschet et sa consoeur Axelle Brodiez-Dolino.Ils évoqueront les reviviscences de la pensée utopique aujourd’hui. En tant que spécialiste de la mémoire, qu’est-ce que cela vous inspire ?
La programmation d’Allez Savoir est riche en tables rondes et rencontres qui porteront sur les utopies du passé. Il sera intéressant de se pencher sur ce qu’il se passe actuellement. Jérôme Baschet travaille sur l’expérience zapatiste, Axelle Brodiez-Dolino sur les formes contemporaines de solidarité. Est-ce que les mouvements d’aujourd’hui vont puiser dans les ressources de leurs prédécesseurs, comme un imaginaire auquel se référer ? Je n’ai pas la réponse, j’attends d’assister aux événements pour voir si les gens s’en emparent.
ENTRETIEN RÉALISÉ PAR G.C.
Allez Savoir 20 au 24 septembre Divers lieux, Marseille allez-savoir.fr
Accueilli par une volée de bois vert lors de sa sortie le 6 septembre, le dernier long-métrage de Yann Gozlan ne démérite pourtant pas du reste de son ambitieuse filmographie. On y demeure sur un terrain connu : celui de l’aviation, déjà exploré par Boîte Noire, et source intarissable de fascination pour le cinéaste. Mais le registre n’est plus celui de la paranoïa et de la machination. C’est plutôt du côté de Burn out, précédent opus du réalisateur, que l’on se situe : la soif de contrôle, l’épuisement et le dérèglement mental de Diane Kruger évoque ainsi celui incarné par François Civil, motard contraint d’effectuer des courses pour un gang de narcotrafiquants. La détresse d’Estelle, pilote de ligne long-courrier, est cependant bien différente. Mais on y retrouve la question fondamentale du sommeil, et de son absence, ici induite non pas par un simple surmenage mais par un jetlag carabiné, soigné à coup de somnifères.
Un inconfort rare
Le récit se densifie de rêves, de retours en arrière, d’ellipses d’autant plus déstabilisantes qu’ils s’opèrent en plein jour, baigné de la lumière si singulière de la Côte bleue, où se déroule la majorité du long-métrage. On y distingue la crise conjugale essuyée par le couple d’Estelle et de son médecin de mari, incarné avec ce qu’il faut d’inquiétant et d’enveloppant par Matthieu Kassovitz. Et surtout l’idylle ravivée avec Ana, artiste espagnole et surtout amour de jeunesse d’Estelle, qui a les traits et l’ardeur de Marta Nieto. Une inquiétude sourd d’interactions et de trajets faisant pourtant l’objet de peu de dialogues, et de scène distillant une étrangeté et même un inconfort rares dans le cinéma grand public français. Cinéma qui a jusqu’alors si peu fait honneur aux talents de Diane Kruger, dont on est heureux de constater la présence sur quasiment tous les plans. Et si Visions n’est pas exempt de maladresses, on peut au moins saluer cette volonté de s’emparer de cette héroïne hitchcockienne en puissance, et de l’avoir emmené sur un terrain nouveau. Pour elle, et aussi pour les porosités d’un récit plus ambigu et retors qu’il n’y paraît, Visions vaut bien un coup d’œil.
SUZANNE CANESSA
Visions, de Yann Gozlan
En salles depuis le 6 septembre
Le film a été présenté en avant-première lors d’une rencontre avec le réalisateur organisée par Les Cinémas Aixois.
