Ce jeudi 28 septembre, deux femmes à la peau ébène et à la tenue streetwear décontractée sont déjà sur le plateau de la petite salle de spectacle d’ICI-CCN (120 places) quand les spectateurs s’installent. Elles écoutent de la musique venue d’Afrique et malaxent une boule de pâte sans s’occuper de ce qui se passe autour. Très vite, on comprend qu’elles ne sont pas vraiment là, mais qu’elles se trouvent en réalité à Abdijan. Ce sont les Filles-Pétroles, des battantes, des filles qui en imposent, même si on réalise vite que c’est sans doute une condition vitale de leur survie. Décor planté par chorégraphe Nadia Beugré, née en Côte d’Ivoire dans le quartier populaire de Derrière Les Rails à Abobo, au nord D’Abijan, arrivée à Montpellier en 2009 pour y intégrer le master EXERCE, artiste associée à ICI-CCN (Lire l’entretien avec Christian Rizzo, directeur de l’ICI-CNN) pour 2023-24. Elle a reçu cette année le Prix nouveau talent chorégraphique de la SACD (Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques).
Coupé-décalé et roukasskass
Il y a « Gros Camion », une grande gueule aux formes aussi débordantes que son énergie est communicative. Arborant un collier doré revendiquant son statut de « Queen » de la rue, elle harangue avec aplomb les spectateurs, demande quelques pièces en échange d’acrobaties. Son amie, aussi élancée que tonique, « La Chinoise pimentée », semble habitée par un mouvement sans fin. Sur des mouvements chaloupés de coupé-décalé (une danse branchée venue des nuits parisiennes de la diaspora ivoirienne) et de roukasskass (sa version urbaine à pratiquer en mode battle), elles témoignent d’une jeunesse enflammée qui cherche sa voie. La pâte qui sert à faire des galettes vendues dans les rues des quartiers populaires colle à la peau comme aux cheveux. Comme tous les clichés qui entravent malgré elles ces deux danseuses attachantes, Christelle (Christelle Eroué) et Aya (Anoura Aya Larissa Labarest), cherchent à appréhender ce que signifie être corps de féminité et corps en mouvement. À travers elles, Nadia Beugré dresse un portrait cash de la jeunesse ivoirienne à mettre en regard avec un autre de ses spectacles : Prophétique (on est déjà né.es), très remarqué lors du festival Montpellier Danse en juin dernier, dans lequel elle s’intéressait à la communauté transgenre d’Abidjan.
ALICE ROLLAND
Filles-Pétroles a été présenté les 28 et 29 septembre à l’ICI-CCN, Montpellier
Sambadaora Quintet avec le Cheour de la Provence Verte 2023
Après la présentation de la saison nouvelle qui compte cinq créations, des actions culturelles et des ateliers, c’est le Chœur de la Provence Vert qui ouvrait le bal sous la houlette dynamique de Sylvia Auclair : elle est à la baguette depuis janvier dernier de cet atelier collectif ouvert aux amateurs, mêlant travail corporel, vocal, scénique et percussif. « Fais-moi un manteau de mots, j’ai froid » déclare la première chanson issue du répertoire de Michèle Bernard selon qui « l’art doit faire partie des choses qui rendent à l’individu sa dignité et son envie de vivre ».
Samba !
Ce pourrait être l’un des adages du Chantier, qui fusionne mémoire et modernité dans le creuset d’une inspiration toujours vivante. Le chœur invitait ensuite au voyage par le biais d’airs populaires comme Shosholoza, chanson de travail d’Afrique australe reprise par Mandela et ses compagnons contre l’apartheid. La chanteuse, s’emparant du surdo (instrument percussif membranophone), revenait pour un quintet, Sambadaora, avec quatre musiciens passionnés, Wallace Negão (cavaquinho), Wim Welker (guitare à sept cordes), Olivier Boyer (pandeiro, percussions), Raphaël Illes (flûte, percussions). La virtuosité des instrumentistes permettait de rendre avec un naturel confondant la joie de la samba même lorsque les paroles sont tristes. Toute une vie se déroule, depuis les mélodies des années trente à celles d’aujourd’hui, dans la pure tradition des rodas, ces moments festifs qui rassemblent autour d’une table des musiciens qui jouent tandis qu’un public de tout âge danse autour. Chacun reprend les refrains en chœur, non, la samba n’est pas près de mourir, l’esprit du collectif non plus !
Zébuline. Quelle identité s’est forgée le CCN depuis votre arrivée ?
Christian Rizzo : C’est un lieu où la question du chorégraphique est intimement liée à la création, à la formation et à l’expérimentation. Cette notion du chorégraphique est approchée comme une question, jamais comme une affirmation. Et ce à travers les invitations d’artistes, les présences des publics, les expositions… À mon arrivée, j’avais d’ailleurs sous-titré le projet : « Où se loge le chorégraphique ? ».
Quelle est la place du public dans cette démarche ?
Il s’agissait de relier dans un seul et même mouvement le fait d’être spectateur d’une œuvre de création, témoin du déploiement d’une recherche d’un artiste, et pratiquant. Le public est invité à devenir un usager multiple du centre chorégraphique plutôt que seulement convié en tant que spectateur-client. Les artistes viennent présenter des œuvres et partager des processus aussi bien qu’une pratique. Il me semble important d’établir une non-hiérarchie des savoirs qui sont échangés.
Certains spectateurs regrettent de ne pas assez voir votre travail de chorégraphe à Montpellier, que leur répondez-vous ?
J’ai quand même réussi à présenter toutes mes pièces à Montpellier ! Je suis tributaire des lieux qui programment car je produis des formes assez grandes nécessitant de grands plateaux, comme celui du Domaine d’O. Le CCN n’est ma maison, je ne suis pas directeur d’un lieu de diffusion pour moi-même, je mets surtout mon énergie à inviter d’autres artistes. L’an dernier, j’avais présenté en ouverture de saison un double duo danseur-musicien, un impromptu d’une petite demi-heure qui s’est depuis transformé en une pièce, dont j’ai fait récemment la création : Je vais t’écrire. J’espère pouvoir la montrer à Montpellier. Créée au festival d’Avignon en 2012, le solo pour Kerem GelebekSakinan Göze Çöp Batar sera bientôt rejoué dans le cadre de la Biennale des arts de la scène en Méditerranée (les 22 et 23 novembre au Théâtre Jean Vilar).
Où en sont vos relations avec Montpellier Danse, qu’on dit parfois tendues ?
J’aime beaucoup l’idée que nos deux structures, très différentes, apportent chacune son regard et son état du monde. En novembre, nous accueillons ensemble Faire fleurir la création de Nicolas Fayol (les 9 et 10 novembre), qui est aussi une coproduction ICI-CCN. D’ailleurs, nous sommes coproducteurs de nombreux projets présentés dans le cadre du festival Montpellier Danse. En tant que lieu de création, le travail du centre chorégraphique se fait beaucoup dans l’invisible. Grâce à la formation et au master EXERCE, nous avons pu accompagner des artistes venus du monde entier dont plus d’une douzaine vivent et travaillent aujourd’hui depuis Montpellier. Cela prouve à quel point cette nouvelle génération de chorégraphes vient nourrir le paysage chorégraphique régional. C’est une aventure incroyable !
Le 6 octobre, sera donné le concert inaugural, reporté à plusieurs reprises, de l’orgue de l’église Sainte-Anne, construit à partie de l’ancien orgue de chœur de l’église Saint-Théodore (1868 par le facteur François Mader, le « Cavaillé-Coll marseillais). Aux commandes, l’organiste titulaire de la Cathédrale de Marseille, Philippe Gueit, fera sonner la fantastique palette de cet instrument aux couleurs multiples aux côtés des artistes invités, la flûtiste Claire Marzullo et le violoniste Pierre-Stéphane Schmidlet dans un programme baptisé Des tubes pour des tuyaux, qui convoquera Jean-Sébastien Bach, Louis James Alfred Lefèbure-Wély, Tomaso Albinoni, Gabriel Fauré, Haendel, Massenet, Gluck, Léo Delibes, et, en plus contemporain Charles-Marie Widor (1844-1937) et Régis Campo né en 1968, cent ans après la naissance de l’orgue originel pour une création mondiale de la version pour orgue de Starry Night.
Et du piano !
Le 7 octobre, le foyer de l’Opéra de Marseille accueillera la subtile pianiste, soliste internationale, mais aussi autrice, Claire-Marie Le Guay, dans un programme consacré à Jean-Sébastien Bach. Une heure de délices pianistiques où se succèderont des pièces extraites du Clavier bien tempéré, des transcriptions d’œuvres de Bach, par le musicien, penseur et professeur Dante Michelangelo Benvenuto Ferrucio Busoni dont la virtuosité le plaça à l’égal de Liszt, son idole. Pour Ferrucio Busoni, Bach composait une « musique absolue »… L’Aria des Variations Goldberg et le Concerto italien BWV 971 (1735) viendront clore ce moment musical. Une pépite !
MARYVONNE COLOMBANI
Les 6 et 7 octobre
Église Sainte-Anne et Foyer de l’Opéra, Marseille
06 31 90 54 85 marseilleconcerts.com
Une biennale qui a pour ambition de contribuer à « forger un futur durable pour tous » en intensifiant les relations des mondes de la recherche européens et africains, et en s’inscrivant dans la candidature Montpellier capitale européenne de la culture 2028. Ce qui donne deux volets de programmation : le premier culturel, axé sur les coopérations et les cultures africaines actuelles, le second autour des innovations sur la gestion des ressources en eau, les enjeux de coopération entre les deux continents, et l’accompagnement de jeunes entrepreneurs africains.
Groove éthiopien
Le volet culturel est foisonnant ! Il accueille notamment un festival de cinéma panafricain avec des projections toute la semaine, du street -art africain aux quatre coins de la ville, un bal participatif aux allures de grandes fêtes ivoiriennes, l’ouverture du studio de rue de Fatoumata Diabaté, artiste que l’on retrouvera dans l’exposition collective 4 Femmes (11 octobre – La Halle Tropisme). Également au programme un temps fort autour du skateboard et du breakdance à Grammont, où le plus grand skatepark d’Europe (9 000m2) a été inauguré en mai dernier. Enfin des concerts comme celui reggae-folk de Patrice au Rockstore (le 10), le groove éthiopien de Kutu (le 11) à La Halle Tropisme, né de la rencontre du violoniste Théo Ceccaldi avec la chanteuse éthiopienne Hewan Gebrewold. La Halle Tropisme est d’ailleurs coproductrice de la biennale : son évènement phare sera La Nuit des Ateliers (13 octobre – à partir de 18h) déambulation artistique, festive et gustative sur plus de 10 000m2 avec expositions, performances, DJ set, ateliers, live painting et tatoo, expériences culinaires… et un grand battle de rumba avec les concerts de Borumba (rumba congolaise) et Los Nenos (rumba catalane). Et une clôture le dimanche 15 (de 15h à 22h) sous forme de carte blanche à la radio ghannéene Oroko pour présenter quelques uns de ses artistes du continent et de sa diaspora en Europe, complétée par des artistes locaux résident·e·s de chez Piñata Radio.
MARC VOIRY
Biennale Euro-Africa
Du 9 au 15 octobre
Halle Tropisme, Montpellier et alentours
euro-africa-montpellier.fr
Pensé en parallèle de son essai Tout une moitié du monde, le seule en scène d’Alice Zeniter explore les mêmes travers et détours de la fiction. Avec un réel désir de sérieux mais aussi une certaine fantaisie, l’autrice très à l’aise en plateau questionne les mécanismes qui ont façonné les récits d’antan et parasitent encore aujourd’hui le geste d’écriture, y compris ceux de ses propres textes. Les idées, fondatrices, d’Ursula Le Guin ou d’Alison Bechdel sont évidemment évoquées : la « fiction-lance » des chasseurs préférée dès le paléolithique aux « fictions-paniers » des cueilleurs ; les personnages féminins dépourvus de nom, de chair, et de parole autre que celle les raccrochant à un homme. Le goût du spectaculaire intimé par la Poétique d’Aristote ne pouvant finalement qu’aboutir à une approche viriliste et tapageuse de la littérature, semble conclure l’autrice qui refuse cependant de limiter son propos à cette seule conclusion. Quelques embardées à l’ironie savamment dosée vers des concepts de narratologie et de sémiologie empruntés, entre autres, à Umberto Eco, font mouche, et rappellent combien le désir de fiction et d’imaginaire peut se greffer au réel, jusqu’à complètement le déformer.
Ça cloche
Quelque chose cloche cependant dans cette approche pourtant rafraîchissante sur le papier. Est-ce son ancrage malgré tout un peu scolaire, et ce besoin de l’autrice à rappeler l’ampleur de son parcours universitaire, comme pour asseoir une légitimité pourtant déjà bien acquise ? Ou encore cette réduction de la fiction au format et non pas à la forme, et de la littérature au seul récit ? Et ce au détriment de la langue, lieu de trouble par excellence, qui a su transgresser cadres et codes à tant de reprises. Est-ce, peut-être, le procès peu aimable fait à Anna Karénine, à Emma Bovary ou à la Princesse de Clèves, invariablement qualifiées de « pénibles, pénibles, pénibles … » ? Toujours est-il que la crise des représentations trouve ici un réel écho, à défaut d’aboutir à une conclusion séduisante.
SUZANNE CANESSA
Je suis une fille sans histoire a été joué du 26 au 29 septembre au Théâtre de La Criée Son spectacle Edène y sera joué le 7 octobre
La nouvelle est tombée en plein milieu du mois d’août. Bernard Aubert, co-fondateur et charismatique directeur artistique de la Fiesta des Suds disparaissait. Du 5 au 8 octobre sur l’esplanade du J4 à Marseille, les équipes du festival entendent proposer une nouvelle édition fidèle à ce que Bernard Aubert et sa bande avaient imaginé il y a plus de 30 ans : des têtes d’affiche, des découvertes, et ce grain de folie qui fait de lui un rendez-vous « à part » dans le monde de la nuit marseillais.
Fièvre de cheval ?
Ce vendredi 28 septembre aux Docks des Suds, le soleil frappe fort sur les bureaux de l’association Latinissimo, organisatrice de la Fiesta. La chaleur est inquiétante pour la période, mais à l’heure des derniers préparatifs rien ne semble faire monter la température outre-mesure chez les équipes de la Fiesta. « Si on veut voir du stress, il faut aller au J4 » nous explique-t-on tout sourire… Ou passer dans le bureau de Nathalie Solia, la directrice, qui entre deux coups de fils s’excuse de devoir décaler l’interview de quelques minutes : elle doit régler le problème du « crottin de cheval » de la centaine d’équidés qui vont parader entre le Vieux-Port et le J4 ce samedi soir. Un rendez-vous à part…
Cette grande cavalcade fait partie des nombreux clins d’œil et hommage à Bernard Aubert qui vont parsemer cette édition. D’origine nîmoise, il a dès le début de la Fiesta incorporé des marqueurs « féria » dans le rendez-vous. Des chevaux, des taureaux… et la « bodega », cet espace mythique de la Fiesta qui fait son grand retour cette année. « C’est un lieu que Bernard a très souvent habité. Il faisait souvent les fermetures… » explique Olivier Rey, qui travaille pour la Fiesta depuis 1995. Aujourd’hui disparue sous les décombres de l’ancien Dock, l’équipe a pris soin de « récupérer des anciens éléments de décoration » pour plonger le public au plus près de ce que cet endroit a été.
Cap aux Suds
À côté de la bodega, plusieurs espaces scéniques sont mis à la disposition des festivaliers pendant quatre jours. La scène « mer » où passeront notamment Patrice, La Femme, Flavia Coelho ; la scène « étoile » avec Benjamin Epps, Voyou ou encore Ladaniva. Et enfin une nouvelle, intitulée « major », qui entend inviter le public à danser non-stop. Passent par-là notamment des artistes locaux, comme De la crau, Biensüre ou Doucesoeur. « Il n’y aura pas deux minutes de silence », promet Olivier.
Autant d’artistes réunis par Frédéric André, qui signe sa deuxième programmation pour le festival, toujours avec l’envie de poursuivre l’héritage de Bernard Aubert. « Bernard a été l’architecte de l’esprit Fiesta. Il faut retranscrire cela dans la programmation » assure-t-il. Pour cela, son cahier des charges est très clair : « Faire du populaire avec une exigence artistique. Il faut aussi que le spectacle soit vivant, qu’il y ait une présence sur scène », ajoute-t-il. « Des artistes qui portent aussi des valeurs », renchérit Olivier Rey. Des exigences et des valeurs qui continuent d’irriguer la Fiesta des Suds, pour que cet esprit perdure et ne perde jamais le Nord.
NICOLAS SANTUCCI
Fiesta des Suds Du 5 au 8 octobre Esplanade J4 et Docks des Suds, Marseille fiestadessuds.com
Entretien avec Nathalie Solia, directrice du festival
Zébuline. Comment se sent-on à quelques jours du festival ?
Nathalie Solia. On oscille entre l’inquiétude et l’excitation. Ca dépend des minutes [rires]. Et on est un peu débordé, tout s’accumule, ce qui est normal.
D’autant qu’il y a des nouveautés cette année, comme la journée du dimanche, gratuite. Comment vous est venue l’idée ?
La Fiesta des Suds a une tradition ancienne d’accueillir tous les publics, et notamment les jeunes. À l’époque, on faisait la Fiesta des minots le mercredi, ça fonctionnait très bien. Mais depuis qu’on est parti des Docks on n’a plus pu accueillir cette journée-là. On s’est aussi aperçu qu’il y avait beaucoup de familles le dimanche sur le J4, mais qui assistaient au démontage du festival avec barrière poussière engins, bruit… On s’est dit qu’on gâchait la promenade dominicale des familles. Alors pourquoi pas proposer une journée pour les familles qui viennent ici, au bord de l’eau, sur le J4, pour profiter aussi de la Fiesta.
Il y a aussi la grande cavalcade samedi qui semble vous occuper ?
Oui, je dépasse un peu mon champ de compétence – même si je viens de la technique. Cette cavalcade a été pensée pour rendre hommage à Bernard Aubert. Pour lui, un festival c’est plus que de la musique, mais toute une ambiance, il avait une vision globale de ce rendez-vous. On veut mettre la fête partout.
On note une forte présence féminine dans vos locaux, moins dans la programmation. Comment l’expliquez-vous ?
On a un regard particulier pour avoir un plateau le plus représentatif possible de l’égalité femmes-hommes. Le fait est que dans le milieu musical ce n’est pas du tout le cas, et encore moins dans les musiques du monde. Mais on sent une prise de conscience actuellement, tous les programmateurs ont ça en tête aujourd’hui, ce qui est très positif. De notre côté, on a une vraie responsabilité en tant que festival. En programmant des femmes sur nos scènes, on leur donne de la visibilité, dans l’espoir qu’elles deviennent les têtes d’affiche de demain. Pour nous, la parité est à la fois un objectif et une responsabilité.
Des regards sur un monde en mouvement, des histoires intimes ou collectives racontées avec humour, poésie et engagement. Voilà ce que nous propose du 6 au 15 octobre le festival nouv.o.monde, proposé par les Films du Delta à Rousset, Trets et Aix-en-Provence. Près d’une vingtaine de longs métrages de cinéastes confirmés ou de jeunes de réalisatrices·eurs, invité·e·s à rencontrer le public après les projections. Des moments de partage de cinéma et de visions du monde. Des avant premières et des films qu’on avait peut être loupés au moment de leur sortie en salle ou qu’on aurait envie de revoir, venus de treize pays et une séance de courts métrages avec pour thème « amour et jeunesse ».
En ouverture, à Rousset, le 12 octobre, le film de Philippe Petit, en sa présence, Tant que le soleil frappe, sur un homme qui ne renonce ni à ses idées, ni à ses rêves. Et en clôture le 15 une autre avant-première Le Syndrome des amours passées de Raphaël Balboni et Ann Sirot – dont on avait apprécié Une vie démente en 2021. Raphaël Balboni sera là pour présenter cette comédie romantique, truffée de trouvailles scénaristiques et visuelles.
Des inédits
Deux avant premières à Trets le 6 octobre : un joli film d’animation sélectionné à Annecy, Nina et le hérisson d’Alain Gagnol et Jean-LoupFelicioli ainsi qu’un thriller venu de Turquie, Nuit noire en Anatolie d’ Özcan Alper. La suite le 10 octobre à Aix-en-Provence (au Mazarin) où l’on va découvrir, venu du Soudan, Goodbye Julia de Mohamed Kordofani, un drame sur la culpabilité qui interroge la relation entre les Soudanais du nord et du sud à travers deux femmes fortes.
Autres avant premières à la salle Émilien Ventre de Rousset le 12 octobre, La Salle des profs d’Ilker Çatak, qui montre le degré de cruauté et d’hypocrisie que peut atteindre le système éducatif, même dans un pays démocratique et développé comme l’Allemagne. Et le 14, Chroniques de Tehéran d’Ali Asgari et Alireza Khatami (Un Certain Regard, Cannes 2023) un film sur l’absurde de la vie en Iran à travers le portrait de neuf hommes, femmes et enfant.
Des films inédits aussi comme La Vida era eso premier long métrage de fiction de l’Espagnol David Martín de los Santos, la rencontre à l’hôpital de deux femmes de générations et de conditions différentes. L’après midi du vendredi sera consacrée à Albert Camus notre contemporain avec séances de lecture, dédicaces et films dont Loin des hommes (Mostra de Venise 2014) de David Oelhoffenn,adapté la nouvelle L’Hôte que nous lira la comédienne Sabine Tamisier. Sans oublier les rencontres avec l’écrivaine Agnès Spiquel et l’auteur illustrateur, Jacques Ferrandez. Un programme alléchant, une nouvelle fois concocté par que Sylvia Vaudano et son équipe.
De la Lozère (du 11 au 17 novembre) à l’Aude (du 6 au 10 décembre), en passant par le Gard et l’Hérault (du 9 au 19 novembre), Temps de Cirques réunit une trentaine de spectacles. Les femmes se taillent la part belle parmi la programmation. Dans Baaldu Groupe Noces, un quintet d’hommes incarne des textes féministes, soutenus par un choeur de femmes. Pour mettre en scène cette « manifestation de joie et de rage mêlées », la metteuse en scène Florence Bernard dit s’être inspirée d’un article de Leïla Slimani paru dans Libération, en marge du mouvement #MeToo. Quant aux Filles du renard pâle, elles poursuivent leurs explorations spatiales ponctuées d’envolées, toujours mues par des urgences plus ou moins allégoriques : après Résiste et Respire, Révolte vient désormais clore un triptyque démarré en 2019. Autre évocation : le parcours d’une femme artiste, via les blessures qui le ponctuent. L’acrobate Katell Le Brenn livre avec Des nuits pour voir le jour un récit intime – mais enthousiaste – autour de l’empêchement et des possibles qui en découlent ; comme une visite guidée dans l’évolution du corps et de ses cheminements, ne boudant pas à l’occasion le jeu de mots lacanien.
Signes des temps
Autre constat : le cirque ne boude plus le métadiscours. Avec Nos circollections, Chloé Duvauchel décide d’étudier l’inépuisable force métaphorique du cirque. Après plus de 20 ans passés au sein du spectaculaire collectif AOC, l’acrobate imagine une forme de proximité, mettant en partage ce qui nous touche, nous émeut et parfois nous rend plus forts dans l’expérience circassienne : marcher sur le fil avec le funambule, se plier en quatre comme une contorsionniste, jongler avec les responsabilités, se sentir épaulé ou porter quelqu’un à bout de bras… Irrésistible et plein de panache. Portée par Martin Cerf, la bavarde Compagnie Armistice s’intéresse quant à elle, avec La prolepse des profanes, à l’essence d’un spectacle de cirque : « un jongleur qui jongle sans s’en rendre compte, un danseur plus léger qu’il en a l’air, un clown qui fait de la politique malgré lui… » La présence annoncée du facétieux Rémi Franct, émérite professeur de recherches et maître de conférences à l’Institut national des études et pratiquescCircassiennes (alias… INEPCi) tiendra-t-elle ses promesses ? Du côté de la compagnie Inextremiste, véritable tête brûlée du cirque contemporain, c’est en actions, collectives et individuelles, que s’expérimente le frisson circassien. Qu’il soit naturel, technologique, réel ou fantasmé, qu’il entrave ou galvanise, il fait partie de la vie quotidienne : il s’agit du risque bien sûr, que le spectateur est appelé ici à vivre en gestes, se fiant à son bon sens pour poser ses propres limites.
Une série de quatre soirées données par une formation d’étoiles, de premiers danseurs et de sujets du Ballet de l’Opéra de Paris offrait un florilège de la grande tradition classique de la danse. En ouverture, le Grand Pas Classique (un « grand pas » est une suite de danses qui, au cœur d’un ballet complet, permettent une exhibition virtuose des danseurs) de Victor Gsovsky célébrait la splendeur de la technique du ballet, porté par les deux étoiles Valentine Colasante et Marc Moreau, éblouissants de grâce et de précision, équilibres défiant la gravitation, manèges, grands jetés, fouettés en un accord parfait. Les sections lyriques s’enchaînent aux allegros, les pirouettes et ballonnés de la danseuse répondent aux batteries et tours du danseur, même les « promenades » sont d’une magique élégance. On partait ensuite dans des épisodes américains avec le néo-classicisme de Jerome Robbins, In the night, voyage amoureux de trois couples sur une partition de Chopin (jouée sur scène par la pianiste Ryoko Hisayama), empreint d’un délicat romantisme, « du jazz sur pointes », puis celui de George Balanchine, Who Cares ?, sur une musique de Gershwin, avec pour toile de fond les gratte-ciels de Manhattan, la danse classique s’enjazze alors joue de ses codes. Enfin, deux larges extraits de Raymonda sur une chorégraphie de Rudolf Noureev éclairaient la musique narrative de Glazounov dans la plus pure tradition, entre variations classiques et danse de caractère en une série de tableautins délicieusement espiègles et expressifs où la virtuosité technique devient outil signifiant. Du grand art !
MARYVONNE COLOMBANI
Représentations du 27 au 30 septembre au Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence
